Moda

Sineklik Elbisesinin Başarısız Sovyet Rakibi

Devrim sonrası Rusya'da, ülkenin düşünürleri Sovyetler Birliği vatandaşları için yeni bir yaşam tarzı geliştirmeye çalışırken, az sayıda sanatçı farklı bir sorunla boğuştu: geleceğin kıyafetleri. Sovyet kıyafetlerinin “rasyonel” olması gerektiğini düşündüler. ...devamını oku

Vikingler ... Kedilerine İyi Değildi

Eski Mısırlıların kedileri sevdiğini biliyoruz, peki ya Vikingler? Yakın zamanda yapılan genetik araştırmalar, bu denizci Kuzeyli kaşiflerin kemirgenleri öldürmek için gemilerine evcil kedileri getirdiklerini ve tüylü kedigillerin dünyaya yayılmasına yardımcı olduğunu göstermiştir. Ama Vikingler de ...devamını oku

İkonik Siyah Saç Modellerinin Görsel Tarihi

Yüzyıllar boyunca dünyanın dört bir yanındaki siyah topluluklar kendilerine özgü saç stilleri yarattılar. Bu saç modelleri antik dünyaya kadar uzanıyor ve siyah kimliği çevreleyen sosyal, politik ve kültürel sohbetler arasında kendi yollarını örmeye devam ediyor. ...devamını oku

Çağlar Boyunca Barbie

Ruth Handler ve kocası Elliot, 1945'te oyuncak şirketi Mattel, Inc'i kurdu. On dört yıl sonra Ruth, dünyaya “Barbie” olarak bilinen Barbie Millicent Roberts'ı tanıtacaktı. Kızının hayali kağıt bebeklerle oynamasını izleyerek ilham aldı. ...devamını oku

Bikini tanıtıldı

5 Temmuz 1946'da Fransız tasarımcı Louis Réard, Paris'teki popüler bir yüzme havuzu olan Piscine Molitor'da iki parçalı cesur bir mayoyu tanıttı. Parisli şov kızı Micheline Bernardini, Réard'ın “bikini” olarak adlandırdığı yeni modayı modelledi. ...devamını oku

Andrew Cunanan cinayet çılgınlığına devam ediyor

Bir mezarlık bekçisi olan 45 yaşındaki William Reese'in cesedi, 9 Mayıs 1997'de Pennsville, New Jersey kırsalında bulundu. Reese, 38 kalibrelik bir Altın Sabre mermisiyle başından vurulmuştu. Polis kısa süre sonra katilin halihazırda aranan 27 yaşındaki Andrew Cunanan olduğunu belirledi. ...devamını oku


Moda Tarihi Nasıl Araştırılır?

İnternet hiçbir zaman için harika bir yer olmadı. moda tarihini araştırmak. Bunu kendi makalelerimle değiştirmeye çalışırken, VintageDancer.com'un bir referans kitaplığı olması amaçlanmamıştır (gerçi bir gün BU web sitesini başlatmak istiyorum). Yapabileceğim şey, öğrencilere ve eski moda tutkunlarına en sevdiğim kaynakları ve arama tekniklerini kullanarak kendi araştırmalarını yapmaları için rehberlik etmek. Moda tarihini çevrimiçi ve çevrimdışı olarak araştırmayı öğrendiğim tüm yollar şunlardır:


Moda Tarihi Dersi: Pist Gösterilerinin Evrimi

Bir zamanlar iPhone'ların veya Kardashian'ların olmadığı bir dünyada defileler, varlıklı müşterileri modacıların en son tasarımlarını satın almaya ikna etmek için kullanılan küçük ölçekli pazarlama araçlarından başka bir şey değildi. Bugün, yüksek bütçeli defilelere ev sahipliği yapmanın amacı biraz daha net değil: Kâr için mi? Sanat için mi? Sosyal medya için mi? Gösterilen kıyafetler Burberry'nin Pazartesi günü yapacağı gibi podyuma çıktığı anda mı yoksa altı ay sonra mı satılmalı? Ancak, kesin olan bir şey var: moda tasarımcıları, her sezon daha abartılı (ve Instagramlanabilir) hale gelen göz kamaştırıcı tiyatrolar ve göz alıcı ortamlarla defilelerin ticari amaçlarını gizlemeye her zaman hevesli olmuşlardır.

Modanın podyumla olan uzun süreli aşk ilişkisini daha iyi anlamak amacıyla, podyumların bugün bildiğimiz sosyal medya gösterilerine nasıl dönüştüğünü hızlıca gözden geçirmeye karar verdik.

1800'lerin sonlarında ve 1900'lerin başlarında, iş konusunda bilgili tasarımcılar, tasarımlarını yarış pistlerini çevreleyen gezinti yollarında giymeleri için kadınları istihdam etti ve bu da onların fark edilmelerini, taklit edilmelerini, fotoğraflanmalarını ve medya tarafından rapor edilmelerini sağladı. 20. yüzyılın başında, birçok üst düzey moda tasarımcısı, en son tasarımlarını seçkin müşterilerine sergilemek için kendi modellerini veya "mankenleri" kullandı. Bu özel, resmi olmayan gösteriler, tipik olarak, küçük müşteri grupları çaylarını yudumlarken ve kanepelerini kemirirken etrafta rahatça dolaşan modelleri içeriyordu. Ancak, 1908-1910'da, programlanmış moda gösterileri veya "moda geçit törenleri" giderek daha popüler etkinlikler haline geldi. Bu ilk salonlar tarafından düzenlenen gösteriler üç saat kadar sürdü ve genellikle birkaç hafta boyunca her gün tekrarlandı. [2]

Muhtemelen bugün sahip olduğumuz şeye yol açan mevsimsel ve medya odaklı moda sunumlarını başlatmak için krediyi hak eden tek bir tasarımcı olsa da, moda tasarımcıları Paul Poiret ve Lucile (Lady Duff-Gordon) her ikisi de çeşitli akıllı taktikler kullanmalarıyla biliniyordu. sürekli bir moda şovu katılımcısı akışı çekmek. Lucile, değerli müşterilerine davetiyeler göndererek, kıyafet satın alma işini dikkate değer bir sosyal etkinliğe dönüştürdü. [2] O zamanlar çoğu moda şovu, giydikleri moda tasarımıyla ilişkili bir numara tarafından tanıtılan modelleri içeriyordu ve bu da müşterilerin ne satın alacaklarını takip etmelerine yardımcı oluyordu. Lucile, tasarımlarını 'duyguların önlükleri' olarak tanımlıyor ve giysilerinin ticari mallardan daha çok somut fanteziler gibi görünmesini sağlamak için onları 'Sisin İçinde Seviyorum' gibi isimlerle tanıtıyor. [3] Poiret, en son koleksiyonlarını tanıtmak için daha aşırı yollar yaratmasıyla tanınır. Tasarımcı, efsanevi “Housand Thousand” ve Second Night’s soir’sxE9e gibi muhteşem kostüm partilerine ev sahipliği yaparak tüm mekanları interaktif podyumlara dönüştürdü. [1]

1918'e gelindiğinde, Avrupa'ya en son stilleri görmek için gelen artan sayıda yabancı alıcı nedeniyle, moda evleri yılda iki kez belirli tarihlerde defilelerini düzenlemeye başladılar ve bugün "moda haftası" olarak adlandırdığımız şeyin temelini oluşturdular. [2] İlk organize moda şovları, müşterileri için ayrıcalıklı bir hava sağlamak amacıyla misafirleri yüksek düzeyde düzenlemeye çalışırken, aynı zamanda yabancı elbise üreticilerinin kaçınılmaz tasarım korsanlığı vebasını sınırlamaya çalıştı. 1910'lar boyunca, Amerikan departman mağazalarının kendi moda geçit törenlerine ve hayır amaçlı defilelere ev sahipliği yapması giderek daha popüler hale geldi; bu, Avrupa moda salonları İkinci Dünya Savaşı sırasında kapılarını geçici olarak kapatmak zorunda kaldıklarında daha da yaygın hale gelecekti.


Lotus Ayakkabı

Fotoğraf : Daniel Schwen / Wikimedia Commons / CC BY-SA 3.0

Lotus ayakkabıları, ayakları bağlı Çinli kızlar tarafından giyilirdi. Yüzyıllar boyunca aileler, kadınlığı temsil eden minik ayakları yaratmak için genç kızlarının ayaklarını defalarca kırdı ve katladı. Ayak, büyümeyi önlemek için uzun kurdelelerle bağlandı. Ayak parmakları kurur ve düşerse, daha da iyi. İşlem genellikle iki ila üç yıl sürer ve kızın ayakları hayatının geri kalanı boyunca bağlı kalır.

Ayakları bağlı kadınlar, lotus tomurcuğunu andıran Lotus ayakkabıları, koni veya kılıf şeklindeki ayakkabılar giyerdi. Ayakkabılar ipek veya pamuktan yapılırdı ve genellikle süslüdür, çiçekler, hayvanlar ve diğer geleneksel desenlerle işlenirdi.

Tarih boyunca ayak bağlamayı yasaklamak için birçok girişimde bulunulmuştur. 1912'de resmen yasa dışı ilan edildi, ancak uygulama yıllar sonra Çin'in bazı bölgelerinde hala gizlice yürütüldü.


1900'ler-1950'ler

Artan sayıda hazır giyim fabrikaları ve dikiş yeniliklerine rağmen, 20. yüzyılın başlarında hala evde veya küçük atölyelerde çok sayıda giysi üretimi yapıldı. İkinci Dünya Savaşı'nın gerektirdiği kumaş kısıtlamaları ve daha işlevsel stiller, tüm giysiler için standart üretimde artışa yol açtı. Böyle bir standardizasyona alıştıktan sonra, orta sınıf tüketiciler savaştan sonra seri üretilen kıyafetleri satın almanın değerine daha açık hale geldi. [1]

Ancak, inovasyonla ilgili her şeyin iyi olmadığını hatırlamak önemlidir. 25 Mart 1911'de New York'taki Triangle Shirtwaist Fabrikası'nda çıkan ve çoğu genç, kadın göçmen olan 146 hazır giyim işçisinin hayatına mal olan bir yangın çıktı. Bu aynı zamanda, Bangladeş'teki Tazreen Moda fabrikasında en az 117 kişinin ölümüne neden olan 2012 yangını gibi son örnekleri de akla getiriyor ve tarihin sıklıkla tekerrür ettiğini kanıtlıyor.


Bir Kostüm Küratörünün İtirafları

Bir moda tarihçisi olarak işim, diğer insanların kıyafetlerinden bir şeyler öğrenmektir; bu zorlu, dağınık ve çoğu zaman ürkütücü bir görevdir.

Başkalarının kıyafetlerine, özellikle de ölü insanların kıyafetlerine dokunmak konusunda aşırıya kaçan bir şey var. Bazıları buna ürkütücü bile diyebilir. Bir kostüm küratörü ve moda tarihçisi olarak, müzelerinin kostüm saklama alanlarında hayaletimsi varlıkları hissettiklerine ve hatta gördüklerine yemin eden meslektaşlarım var. İnsanlar için değil, tekstiller için ideal sıcaklık ve neme göre iklim kontrollü bu sıkışık odalarda üşümek çok kolay. Ben kendim herhangi bir hayalet moda tutkunuyla karşılaşmadım, ama bir keresinde bir kutuyu açtım ve gözleri, pençeleri, kuyruğu ve dişleri olan bir tilki çaldı ve beni o kadar yüksek sesle çığlık attı ki iki güvenlik görevlisi koşarak geldi. Ara sıra, asit içermeyen kağıt mendille gelecek nesiller için özenle paketlenmiş, aksi takdirde bozulmamış bir giyside başıboş bir saç, yıpranmış bir etek veya belirgin bir leke bulurum ve bir sarsıntıyla, bir zamanlar yaşayan, nefes alan, terleyen bir canlı olduğunu hatırlayacağım. içindeki insan vücudu—yüzlerce yıldır hareketsiz duran bir vücut.

Açıkçası, biz küratörlerin müze ziyaretçilerine vermek istedikleri izlenim bu değil. Gişe rekorları kıran moda sergileri, 25 dolarlık biletlerden butik benzeri hediyelik eşya dükkanlarına kadar büyük işlerdir ve bunlarla ilgili tek korkutucu şey, içeri girmek için saatlerce beklemek olmalıdır. Ziyaretçiler, galerilere girdikten sonra, mankenler üzerinde atmosferik bir şekilde yeniden canlandırılan kıyafetleri görürler. aydınlatma ve müzik, yüksek teknoloji interaktif ekranlar ve özenle araştırılmış açıklayıcı etiketler ve kataloglar. Kostüm Enstitüsü'nün 2016 gösterisi Manus x Machina: Teknoloji Çağında Moda Metropolitan Sanat Müzesi'nin 147 yıllık tarihinde en çok ziyaret edilen yedinci sergi oldu. Alexander McQueen: Vahşi Güzellik 2011'den gösteri. Jean Paul Gaultier'in Moda Dünyası, Montreal Güzel Sanatlar Müzesi tarafından düzenlenen, geçen yıl sona eren beş yıllık, 12 şehirli turu boyunca daha da fazla insanı kendine çekti. Kostüm koleksiyonuyla tanınmayan müzeler bile Modern Sanat Müzesi'nin yaklaşmakta olan projesini trend haline getirdi. Öğeler: Moda Modern mi? Ekim ayında açıldığında 73 yıl aradan sonra kurumun ilk moda sergisi olacak.

En hareketli şovlar çağdaş modayı vurgular. Ama tarihi elbise -çoğunlukla uğraştığım türden- özellikle çağda güçlü bir çekicilik. Game of Thrones, yabancı, ve Poldark. Çok az müze ziyaretçisi mermer bir büst veya yaldızlı bir enfiye kutusuyla uğraşmıştır, ancak herkes kıyafet giyer. İster 17. yüzyıldan kalma bir ipek bluz, isterse bir Rus İmparatorluk saray elbisesi olsun, herkes bir giysiye bakıp onu bir deneyim yerinden değerlendirebilir. Belki de bu yüzden insanlara ne iş yaptığımı söylediğimde şaşırıyorlar. Konuyla anında ilişki kurabilirler ve aynı zamanda işimin neden yıllarca eğitim ve bir (ya da iki) yüksek lisans derecesi gerektirdiğini anlayamıyorlar. Bugün, görünüşte kokteyl menüsünden çalma listesine kadar her şey küratör olarak tanımlandığında, "Ama gerçekte ne yapıyorsun? yapmak" her zaman aldığım bir sorudur - ve tam bir cevap, mankeni parçalamayı ve kasık doldurmayı, yazmayı ve ders vermeyi, eBay'de teklif vermeyi, tarih ve sanat tarihini araştırmayı ve herhangi bir kişinin duyarlılığını hem kanalize eden hem de aşan bir stil anlayışını geliştirmeyi içerir. verilen dönem.

Ben bir moda tasarımcısı değilim. İşimde işleyebileceğim en büyük günah benim sorumluluğumda olan kıyafetleri denemek ya da başkasının kullanmasına izin vermektir, çünkü müze parçaları giymek için değil, incelemek, korumak ve sergilemek içindir. Ama onlara anlam veren şey giydikleridir. Ve genellikle bir giysideki kusurlar -renk solmaları, kokular, yarık dikişler, kaçak pullar- içlerinde yaşanan hayatların en yüksek sesle ve dokunaklı hatırlatıcılarını söyler.

Bir keresinde bir antika tekstil satıcısı, 1850'lerde ölen büyük-büyük-büyükannesinin giydiği siyah elbiseyi satmak isteyen, kendisini arayan bir kadından bahsetmişti. Başka bir Victoria siyah elbisesi değil, krupiye gözlerini devirerek düşündü. Arayan kişi devam etti: "Büyük-büyük-büyükannem bir köleydi." Krupiye neredeyse şoktan telefonu düşürüyor, ardından arayan kişiyi, Victoria dönemi siyah elbiselerinin yaygın olduğu kadar nadir görülen köle kıyafetlerinin fiyatını belirtmeye davet ediyor. Ders, bazen kıyafetleri yapanın kadın ya da erkek olduğuydu, tersi değil. Başka bir deyişle, her gelinlik özeldir, ancak yalnızca Kate Middleton'ın gelinliği Buckingham Sarayı'nda sadece iki ay boyunca 15 milyon dolarlık bilet satışı getirebilir.

Çoğu insan için, giysilerle meşgul olmak yüzeyseldir, hatta sınırda ahlaksızlık değilse bile Mukaddes Kitap bile sorar: “Neden giysiler için endişeleniyorsun?” Ancak moda tarihçileri, Oscar Wilde'ın Dorian Gray'in bir resmi: "Bu sadece sığ insanlar Kim yapmaz hakim görünüşe göre." Bazıları işlerimizi anlamsız görse de, küratörler kıyafetlerin sadece bireysel yaşamlar hakkında değil, aynı zamanda kolektif değerler ve deneyimler hakkında da tarif edilemez gerçekleri ortaya çıkardığını anlıyor. Giysiler bir totem ve tabu görevi görürler ve ilk giyilmelerinden çok sonra bile etkileme ya da korkutma güçlerini korurlar. Ku Klux Klan cüppeleri ve Nazi üniformaları gibi şeyler müzeler tarafından toplanır, ancak nadiren sergilenir, çünkü tam da çoğu kişinin unutmayı tercih edeceği olayları ve duyguları çok güçlü bir şekilde uyandırırlar. Aynı zamanda eski kıyafetler zamanla yeni ve sorunlu anlamlar kazanır. Kürk binlerce yıldır giysinin ayrılmaz bir parçası olmasına rağmen, birçok müze artık hayvanseverleri rahatsız edebilecekleri için kürklü giysileri sergilemeye isteksizdir.

Modern teknoloji ve uzman tekstil bilimcilerinin çabaları sayesinde, küratörler artık tarihi giysileri ilk görenlerin ve giyenlerin anlayamadığı şekilde değerlendirebiliyor. Polarize mikroskoplar ve yüksek çözünürlüklü dijital görüntüler, çıplak gözle görülemeyen dokuları, dokumaları ve iplikleri ortaya çıkarır. Son teknoloji koruma uygulamaları, yüzyıllarca süren dikkatsiz depolama nedeniyle ezilen kolları yeniden şişirir veya parçalanmış ipek astarları eski haline getirir. X-ışınları bir Balenciaga gece elbisesinin karmaşık iç kısımlarını ortaya çıkarır ve askeri sınıf kimyasal inhibitörler Neil Armstrong'un uzay giysisindeki alüminyum korozyonu giderir.

Ancak hiçbir bilimsel analiz, tarihi kıyafetlerin hissini, sesini ve kokusunu yakalayamaz - ve kostüm küratörleri ve koruyucuların (tekstillerin teknik incelemesinden ve işlenmesinden sorumlu olan) ayrıcalıklı bir bakış açısına sahip oldukları yer burasıdır. Dokunmaya başlıyoruz. Objelerin cam veya kadife iplerin arkasına saklandığı loş ışıklı halka açık galerilerde değil, cerrahi hastalar gibi ışıklar ve büyüteçler altında laboratuvar masalarına yerleştirilmiş diğer insanların kıyafetleriyle yakın olmaktan keyif alıyoruz. Gizli cepleri, kalıcı parfüm veya tütün kokusunun gizli dolgusu olarak buluyoruz. Halkın önüne çıktıklarında, onları sırtımızdaki giysiler kadar iyi tanıyoruz.

Kostüm sergileri, bugününkinden hem daha çekici hem de daha kendine özgü olan hatırlanan bir giyinme biçimi sunar. Bana öyle geliyor ki, bu şovların popülaritesi, toplumun artan giyinme eğilimiyle birlikte fırladı; bu, pek yeni olmasa da, rahat teknoloji endüstrisinin ve sosyal medyanın yükselişiyle büyük ölçüde hızlanan bir fenomen. Athleisure'ın büyümesi, eski moda zarafet özlemini pek azaltamadı: İlk olarak 2011'de Disneyland'de düzenlenen Dapper Day, uluslararası bir harekete dönüştü, işyerleri Resmi Cuma kıyafet kurallarını benimsemeye başladı ve hatta korseler geri döndü.

Bu tür müze gösterilerine olan talep açık olsa da, tipik olarak sadece birkaç aylığına gösterimde olsalar bile, yıllarca hazırlık gerektirmeleri gerçeği daha az belirgindir - kırılgan liflerin ışığa maruz kalabileceği maksimum süre. solma veya bozulma. Diğer sanat eseri türleriyle karşılaştırıldığında, giysiler ve tekstillerin toplanması nispeten ucuzdur, ancak bunların depolanması, bakımı ve sergilenmesi çok pahalıdır. Yeni tekstil alımları, katlarında saklanmış olabilecek böcekleri öldürmek için paketlerinden çıkarılmadan önce iki hafta boyunca dev dondurucularda karantinaya alınmalıdır. Bir gün, Prada'nın Art Nouveau'dan ilham alan yepyeni bir Peri ayakkabısı çifti postayla geldiğinde işteydim: bir bağış, hala orijinal kutusunda. Hemen bir müze envanter numarasıyla tokatlandı ve asla giyilmemesi için depoya kaldırıldı. Ofiste kuru bir göz yoktu.

Biz küratörler sonuçta sadece insanız. Tabii ki kıyafetleri denemek istiyoruz, ilk etapta kostüm koleksiyonlarıyla çalışmaya ilgi duymamızı sağlayan şey buydu. Bununla birlikte, en iyi giyinenler listelerinde pek çok küratör bulamazsınız. Fırsat verilirse, muhtemelen hepimiz tepeden tırnağa Issey Miyake ve Martin Margiela giyiyor olurduk. Ancak çoğu müze genel olarak kar amacı gütmeyen kuruluşlardır, en çok sevdiğimiz sinirli, beyin etiketlerini şımartmak için bize yeterince iyi para ödemiyorlar. (Bildiğim bir küratör, son sekiz yıldır her konuşma angajmanında aynı ustalıkla yıkılmış Ann Demeulemeester elbisesini giydi.) Yine de, çoğu zaman, bir kostüm küratörünü aksesuarlardan tanıyabilirsiniz: bir kurye gezisinde alınan çarpıcı bir shibori atkı Kyoto, ya da içeriden bir vintage mağazasından muhteşem bir kostüm takısı ya da herhangi bir müzeye rakip olacak bir ayakkabı koleksiyonu.

Küratörler aynı zamanda, 20. yüzyılın ortalarına kadar olduğu gibi, saf ipeklerin, yünlerin, ketenlerin ve pamukların kural değil, istisna olduğu bu gün ve çağda bir lanet olabilecek doğal elyaflara da ilgi duyuyor. Bugün, tarihi giysilerde ve tekstillerde ortak olan birçok kumaş ve el işi tekniği yalnızca haute couture. Giysilerimizin ve malzemelerinin çoğu, makineler kullanılarak hızlı ve ucuz bir şekilde üretiliyor, bilgisayarlar terzilik ve montaj sürecini basitleştirdi. Bu, modaya uygun kıyafetleri daha fazla insanın kullanımına sunmuştur, ancak önceki nesillerin günlük kıyafetlerinde bile görülen kalite ve bireysellik pahasına.

Yüksek teknoloji tekstil küratörlerinin sevdiği tek şey, Netflix'in DVD'leri göndermek için kullandığı yumuşak, beyaz, eğrilmiş polietilen malzeme Tyvek. Kurulum. Tyvek korur, ama daha da önemlisi gizler, çünkü bir kostüm sergisinin perde arkasında olanlar hoş değildir. Bir duvara bir tablo asmaktan farklı olarak, üç boyutlu bir nesneyi tamamen farklı bir üç boyutlu nesneye monte etmek tüm gün süren bir uğraştır.

Küratörler mankeni giysiye uyacak şekilde değiştirir, asla tersi olmaz. Eşsiz, kusurlu bedenler için özel olarak tasarlanmış ve genellikle uzun süredir kayıp olan temel giysilerle deforme olmuş giysilere uymalarını sağlamak için mankenleri polyester keçe, keçe ve tül ile rutin olarak şekillendiriyoruz. Alternatif olarak, göğüsleri tıraş etmek, ayak parmaklarını kesmek ve çok uzun uzuvları kısaltmak da dahil olmak üzere mankenler üzerinde yaptığım tarif edilemez eylemlerden bazılarını onları parçalara ayırıyoruz.

Tarihçilerden daha fazlasıyız, aynı zamanda stilistiz. Bir mankeni giydirmek iyi bir göz ve sağlam bir el gerektirir, ancak o mankeni şapka, takı, eldiven, ayakkabı ve dönemin zevkine uygun diğer aksesuarlarla donatmak için cesur bir hayal gücü ve zeka sıçraması gerekir. yetim bir giysiyi bir yere, bir sosyal sınıfa ve yılın bir saatine (ve günün saatine) sabitleyin ve nihayetinde bunu çok kuşaklı, çok kültürlü izleyiciler için erişilebilir ve çekici kılacak şekilde yapın.

Ve bu sonrasında mankenin özellikleri için canınızı sıktınız. Ellere ihtiyacı var mı? İlerde? Kafanın bir yüze ihtiyacı var mı? Ya saç? Saç neyden yapılacak? (Kağıt, tül, polyester elyaf dolgu ve buckram, Saint Louis Sanat Müzesi'nin şu anki erkek giyim şovunda takım elbise arabirimini, akıllı bir terzilik bükümünü kullandığı popüler seçeneklerdir.) J. Paul Getty Müzesi, 2011 yılında tamamen estetik nedenlerle başsız mankenleri dahil ettiğinde. göstermek Paris: Yaşam ve Lüks, bir eleştirmen onları giyotinin habercisi olarak yorumladı. Küratörler, mankenlerin bedenlerini eksik bırakarak ve ziyaretçilerin boşlukları kendilerinin doldurmasına izin vererek bazen yanlış varsayımlara davet etme riskini alıyor.

Sergi temaları ve vitrinler, çeşitliliği tasvir etme çabalarını artırdığı için, mankenlerin rengi de çalışma alanımda acil bir endişe haline geldi. Gerçekçi ten tonlarına sahip mankenler eski moda ya da tekinsiz bir vadiye bitişik görünme eğilimindedir, ancak beyaz veya soluk gri gibi "nötr" renkler genellikle Kafkas olarak okunur - ikincisi, FIT's gibi bir gösteride özellikle göze çarpan bir sorundur. Siyah Moda Tasarımcıları veya Chicago Tarih Müzesi'nin İlham Veren Güzellik: 50 Yıl Abanoz Moda Fuarı. Son yıllarda, ısmarlama "yüzen" formlar -giysiler tarafından gizlenen ve görünmez tellerle asılan içi boş gövdeler- mankenlerin ortaya çıkardığı pek çok sorunu görmezden geldikleri için popülaritesini artırdı. Bir giysiyi ilk giyen kişinin boyutuna ve şekline gelene kadar balon gibi şişirdiğinizi hayal edin. Sanki eski sahibi bir an için kelimenin tam anlamıyla bedensiz bir şekilde dışarı çıkmış gibi, giysilerin kendisi hayalet oluyor.

Mankenlerin giydirilmesi, tüm pratik hususlar ve içerdiği kültürel nüanslarla birlikte, giyinme şeklimi değiştirdi. Geniş bir yarım slip ve diğer arkaik iç çamaşırları koleksiyonum var ve genellikle üzerimde bir yerde tüm bu katmanları yerinde tutan birkaç çengelli iğne bulabilirsin. Minik dolabım asitsiz kutular, ayakkabı ağaçları, ev yapımı dolgulu askılar ve keten giysi çantalarıyla dolu. Ama diğer insanların kıyafetlerini incelemek beni başka, daha derin şekillerde de şekillendirdi. Artık giyimi süs ya da koruma olarak değil, iletişim olarak görüyorum. Bana göre, kıyafet kuralları ve lüks yasaları, konuşma özgürlüğü sorunlarıdır. Kıyafet, kelimelerden daha yüksek sesle ve daha dürüstçe konuşur. Ve modada çok az şey bana yeni ya da şaşırtıcı geliyor. Etek çizgileri ve saç modelleri değişebilir, ancak onları harekete geçiren güçler -insanların zayıflığı, gösterişi ve ustalığı- sonsuzdur.


Nişastalı yakaların neden bazen "baba katili" olarak adlandırıldığını hiç merak ettiniz mi? Bu sadece bir şaka değil. Modaya uygun yakalar 19. yüzyılda o kadar yüksek ve sıkı bir hale geldi ki, bir erkeğin dolaşımını ve solunumunu gerçekten keserek asfiksi veya beyin apsesine neden olabiliyorlardı. William F. Dillon adında bir adamın 1912'de boynunun hafif şişmesine neden olan bir hazımsızlık krizinin ardından sıkı yakası tarafından boğularak tasması tarafından öldürüldüğü bildirildi.

Wikimedia Commons

Factinate'den daha fazlası

Öne Çıkan Makale Gerçek Her Zaman Ortaya Çıkıyor: Karanlık Aile Sırları Açığa Çıkıyor Aile yapısında sırları teşvik eden bir şeyler var. Kocalar eşlerinden, anneler çocuklarından ve nesilden nesile bir şeyler saklar. El değmemiş hiçbir klana ve hatta mutlu ve normal görünen aileler bile&hellip'te Samantha Henman | 08 Nis 2020 Öne Çıkan Makale Fransa'nın En Güçlü Metresi Madame de Pompadour Hakkında Büyüleyici Gerçekler Madame de Pompadour sadece Kral Louis XV'in yatağını paylaşmakla kalmadı, onun gücünü de paylaştı. Fransız sarayının en hakim metresi olarak birçok kişinin hayatını iyileştirdi ve sevilen bir figür oldu&hellip Kyle Climans | 07 Aralık 2018 Öne Çıkan Makale Bu İnsanlar En İyi Şekilde İntikam Aldılar En iyi intikam iyi yaşamak olabilir ama bu her zaman diğer yanağımızı çevirebileceğimiz anlamına gelmez. Küçük geri ödemelerden çılgın karma eylemlerine kadar, bu acı insanlar bir şekilde en ustaca yolları buldular&hellip Dancy Mason | 22 Nis 2020 Öne Çıkan Makale Aragonlu Catherine Hakkında Trajik Gerçekler VIII. Henry'nin İlk Karısı Aragonlu Catherine, Kral VIII. Henry'nin ilk karısı ve en uzun ömürlü İngiltere Kraliçesiydi. Catherine'in halefi Kraliçe Anne Boleyn'in kötü bir kaderi olmasına rağmen, Aragon'un kendi hayatı bir şekilde daha trajikti. Hadi Christine Tran | 07 Haz 2018

Misa Hylton

Misa Hylton, Mary J. Blige, Jodeci ve Lil' Kim gibi R&B ve hip-hop'un en ikonik gruplarından bazılarının arkasındaki imaj mimarıdır. 1990'ların başında Puffy'nin o zamanki kız arkadaşı ve birçok Uptown ve Bad Boy sanatçısının stilisti olarak, 1999 MTV Video Müzik Ödülleri için Lil'in Kim'in mor pantolon takımını tasarlayıp (birini biliyorsunuz) daha Instagram icat edilmeden önce meme ucunu serbest bıraktı. "Crush On You" videosu için eşleşen tek renkli saç ve kıyafetler. Mary J. Blige'nin siyah ruj, kalın güneş gözlükleri, Jackie O.-esque başörtüsü ve altın kıvrımlı küpeler içeren "Not Gon Cry" video stilini hazırladı.

2001'de, o ve Harlem'in çığır açan atölyesi, logomania'yı icat eden Dapper Dan, türünün tek örneği bir balonlu palto hazırladı ve "Let's Get It" videosunda Puffy, G-Dep ve Black Rob için dış giyimi tamamladı. Çeşitli yüksek moda çöplüklerden sonra (Fendi, Dapper Dan'a logosunu izinsiz kullandığı için dava açtı Gucci, Dapper Dan yapımının kendi versiyonunu, yaratılışına dahil etmeden bir pistte gönderdi), Dapper Dan şimdi saygın bir konuma sahip - kendi şartlarına göre - Hylton, başka bir logo manyağı markası olan MCM'de Global Yaratıcı Ortak iken, Gucci ile yaratıcı bir ortaklık içindedir. Rolü ona Beyonce'nin stilist Zerina Akers için "Apeshit" MCM kıyafeti yaratma gücünü verdi ve günlük Afrikalı-Amerikalı tarzında lüksü vurguladı.

Lil' Kim'in "Crush On You" videosunda ilk kez bir kıyafetle saç eşleştirme hakkında:

İlham geldi Wiz ve Emerald City'de gardırobun kırmızıdan sarıya, yeşile ve maviye değiştiği özel bir sahne var. Lance "Un" Rivera yönetmendi ve o sahnenin hip-hop versiyonunu yeniden yaratmak istedi. Bunu bir sonraki seviyeye taşımak istedim ve sadece Kim'in kıyafetlerini değiştirmekle kalmayıp, saçı değiştirmenin ve tepeden tırnağa tek renkli bir görünüm yaratmanın ateş olacağını düşündüm - ve öyleydi. Dionne Alexander, başka bir harika yaratıcı [saç stilisti] vizyonumu hemen yakaladı. O zamanlar insanlar saçlarını kıyafetlerine uyacak şekilde yapmıyorlardı, bu yüzden [Manhattan'da] 14th Street yakınlarındaki Halloween mağazasına gittim, perukları aldım ve Dionne onları hayata geçirdi. O, makyaj sanatçısı Nzingha Gumbs ve bendik ve birlikte oturup genel stile karar verecektik. Biz bir rüya takımıydık.

Lil' Kim'in Rezil 1999 MTV VMA'larını yaratırken şuna bakın:

Missy Elliott ile yaptığım bir sohbetten ilham aldım. Onun evinde takılıyorduk, müzik dinliyor ve moda konuşuyordu ve dedi ki, &aposKim kötü bir kaltak. Kim olsaydım, tek bir memeyi dışarı çıkartırdım Kim böyle bir şey yapabilirdi.&apos Ve ben, &aposHm, bu&aposs çok ilginç!&apos bu fikri kafamda sakladım ve bir sonraki büyük olay 1999'du. MTV Video Müzik Ödülleri'nde Hint gelinlik kumaşını kullanarak tek omuzlu tek parça tulum yaparak hayata geçirdim ve göğüslerinin dışarı çıktığı gerçeğini dengelemek için gerçekten kız gibi ve güzel yapmak istedim. Dionne Alexander saçını yaptı ve Nzingha Gumbs makyajını yaptı. [Diana Ross sahnede Kim'in göğsünü çevirdiğinde] Orada 'Aman Tanrım' dercesine duruyordum çünkü macun kirpik yapıştırıcısı ile sürülmüştü, bu yüzden 'lütfen, lütfen, lütfen' dedim. !

Geri dönüşe rağmen fikirleri için savaşırken:

Mary J. Blige için "Not Gon' Cry" videosunda kıvrımlı küpeleri takması bir kavgaydı. Bana ' dikkat dağıtıcı&apos olduğu söylendi ama bunun nedeni Siyah moda olmasıydı. Ama 'kulağına daha küçük bir şey koyabilir miyim' diye sordular ve acımasızdılar. Ama ben, 'hayır, sorun değil' dedim ve üçüncü kez, 'Mary'ye söylemem gerekirse, bu bir sorun olacak' dedim. Küpelerini çıkarmıyor ve bunun neyle ilgili olduğunu biliyoruz. Dikkatini dağıtmıyor, onun kim olduğuna uygun bir görünüme sahip olmasını istemiyorsun ve aslında onu özgün yapan ve hayranlarıyla konuşuyor. ve müzik videosunda onları giyecek kadar ateşliydi.


Bayan giyim

Yirminci yüzyılın son on yılında moda, daha rahat bir giyinme ve minimalizm tarzına doğru ilerlemeye devam etti. Daha resmi kıyafet dönemleri olsa da, yirminci yüzyılda moda büyük ölçüde çok daha minimalist ve rahat bir tarza doğru hareket etti ve seksenlerin sona ermesiyle bu yaklaşım yaygınlaştı. On yılın sonunda, giyinmeye yönelik bu yaklaşımın kalıcı olduğu açıktı.

On yılın başında, yüksek moda süper model, Cindy Crawford ve Naomi Campbell gibi modellerle zirveye ulaştı. moda 1990'da (Şekil 1). Kathryn Hennessey yazıyor Moda: Kostüm ve Tarzın Nihai Kitabı (2012):

“Süper model fenomeni 1990'larda doruk noktasına ulaştı ve en ünlüleri arasında Linda Evangelista, Cindy Crawford, Naomi Campbell ve Christy Turlington vardı. Bu dördü, Versace'nin 1991'de Milano'daki Sonbahar/Kış defilesi sırasında podyumda kol kola yürüdüklerinde, kıyafetlerden daha ünlüydüler." (409)

On yıl, seksenlerin bu yüksek moda ve yaşamdan daha büyük stillerinin popülaritesi ile başlarken, moda hızla daha az çekici ve daha rahat kıyafetlere doğru ilerledi.

1 - Peter Lindbergh. Naomi Campbell, Linda Evangelista, Tatiana Patitz, Christy Turlington, Vogue için Cindy Crawford, 1990. Kaynak: Sanatsal

2 - Fotoğrafçı bilinmiyor. Moda Zaman Çizelgesi, 1990'lar. Kaynak: Pinterest

3 - Steven Meisel (Amerikan, 1954-). Perry Ellis'te Naomi Campbell ve Kristen McMenamy, Aralık 1992. Kaynak: Vogue

Şekil 4 - Fotoğrafçı bilinmiyor. Kate Moss, CA. 1990'lar. Kaynak: Pinterest

Seksenlerin spor giyim tarzı, bisikletçi şortları, taytlar, Keds ve büyük beden sweatshirtler ile doksanlı yılların başlarına kadar devam etti ve genç kadınların favori tercihleri ​​olmaya devam etti. On yılın ilk kısmı, mini etekler, parlamalar ve Punk stilleri gibi 1960'lar ve 1970'lerin stillerinin yeniden canlanmasına da tanık oldu (Laver 281).

Vintage giyim arzusu, grunge modası için de kullanılan ikinci el giyim mağazalarının yayılmasını teşvik etti. 1980'lerin sonlarında, doksanların başında Seattle'da ortaya çıkan bir stil, bol, eskitilmiş kot pantolonlar, pazen gömlekler ve Doc Martens botları gibi günlük giysilere dayanan yaygın bir görünümdü (Şekil 2). Kadınlar için bu, genellikle tıknaz botlarla giyilen basit kayma elbiseleri de içeriyordu. 1993 yılında grunge, Marc Jacobs'ın Perry Ellis koleksiyonundaki podyuma çıktı (Hennessey 412 Şekil 3 ve 5).

Grunge'ın popülaritesi ile birlikte süper modellerin daha önceki popülaritesinden Kate Moss tarafından özetlenen yeni bir model tipine geçiş geldi (Şekil 4). Moss, köhne yerlerdeki “şık eroin” fotoğraf çekimleriyle tanındı. Hennessey şöyle yazıyor:

“It was out with the glossy and wholesome supermodels and in with a new breed of fragile, individual-looking, and often younger, models. A new phrase ‘heroin chic’ described the down-at-heel settings for fashion shoots presented in magazines. Such a dressed-down styles didn’t suit the personalities of the supermodels, and designers opted to make the clothes the star of the show once more” (409).

The casual grunge look didn’t work with the glamour of the supermodels while Moss’ waif-like thinness and delicacy enhanced the unkempt look that was popular in the early nineties.

In the mid-nineties, styles became more feminine again. Slip dresses epitomized the minimalist look during this period (Fig. 6). Silky versions were worn as formalwear (Fig. 7) while a popular daytime look was a slip dress over a white t-shirt. The “sexy schoolgirl” look as seen in movies like Clueless (Fig. 9) and later in the decade in Britney Spears’ “…Baby One More Time” music video became popular during the middle of the decade. Undersized sweaters, baby doll t-shirts and knee high socks all made up this look that was worn by young women.

Fig. 5 - Marc Jacobs for Perry Ellis Sportswear Inc. (American, 1963-). Ensemble, Spring/Summer 1993. Silk, mother-of-pearl, metal. New York: The Metropolitan Museum of Art, 2012.148a–c. Gift of Gabé Doppelt, in memory of Lucia Fine, 2012. Source: The Metropolitan Museum of Art

Fig. 6 - Gianni Versace (Italian, 1946–1997). Gece elbisesi, 1996. Rhinestones, synthetic. New York: The Metropolitan Museum of Art, 1999.328.3. Gift of Donatella Versace, 1999. Source: The Metropolitan Museum of Art

Fig. 7 - Terry McGinnis. Gwyneth Paltrow and Brad Pitt at 68th Academy Awards, 1996. Source: Pinterest

Fig. 8 - Helmut Lang. The Helmut Lang Astro Moto jacket, Autumn/Winter 1999. Source: Pinterest

Fig. 9 - Costume design by Mona May. Alicia Silverstone and Stacey Dash in Clueless, 1995. Source: The Telegraph

Fig. 10 - Time & Life Pictures. Destiny's Child in Tommy Hilfiger, 1998. Source: Huffington Post

As the decade progressed, the casual style remained. Utilitarian styles such as cargo pants and The Gap’s sweatshirts became popular for everyday wear. Amy de la Haye and Andrew Tucker note in Costume and Fashion: A Concise History:

“American retailer The Gap, founded in San Francisco in 1969, universalized the popularity of garments such as the hooded sweatshirt and cargo pant (the latter contributing to a massive downsizing in the denim market), making once-basic items a wardrobe staple for all generations.” (Laver 284-285)

This was paralleled in high fashion as designers such as Helmut Lang put a fashion spin on styles such as parkas, combat trousers and other items worn by outdoor adventurers (Laver 284 Fig. 8). Along with this came a move towards logoed clothing. Tommy Hilfiger perfected this with casual clothing featuring heavy branding (Laver 286 Fig. 10).

With the new millennium looming, women’s fashion turned to a more bohemian style with influences from the 1970s. Embroidery, mixed fabrics and Eastern influences made their way into fashion once again. De la Haye and Tucker write:

“From 1996 to the end of the decade, the bohemian look became the overriding trend within womenswear at all market levels, incorporating the adapted ethnic embroideries of Belgian designer Dries Van Noten, the bold colour sense of young British designer Matthew Williamson and the irreverent mixtures of fabrics from Milanese design houses such as Marni and Fendi.” (Laver 288)

With the new casual, bohemian styles came low-slung jeans and crop-tops, which would be the hallmark of the coming decade.


Fashion History: Fashion Influencers Who’ve Influenced Fashion

I was scrolling the internet last week reading about fashion influencers and all things fabulously fashionable when an article from the New York Post caught my eye. Titled “The September Issue Is Dead” it recounted how, just a few years ago the September Vogue was considered the fashion bible, so important that it was glorified in a 2009 documentary “The September Issue”. Now, it seems, we live in a very different world.

The “coveted” September fashion issue use to be heralded for its thickness due to advertisers clamouring for representation Beyoncé’s much talked about cover for the September 2018 Issue of Vogue Love Magazine September 2018 issue featuring Gigi Hadid GQ September 2018 featuring Chris Hemsworth Lily Rose Depp for Vogue Korea September 2018 Marie Claire Malaysia September 2018 issue British Vogue September 2018 featuring Rihanna WSJ Magazine September 2018 cover

In a world of rapid change, when social media platforms including Facebook, Instagram, Twitter, YouTube and LinkedIn draw billions of eyeballs a year, and the fashion influencer has redefined the concept of “Fashion Week” who is influencing fashion today?

“Young and trendy Hollywood stars are the new driving force of global fashion…..Ignore what they wear and you wbenll fail.

Anna Wintour, Lupita Nyongo and Naomi Watts front row during fashion week Young hollywood, street style stars and style bloggers are the new rockstars of fashion

Let’s take a brief walk through history to see where fashion influence came from. Fashion has always been about aspiration. As far back as the Middle Ages through to the eighteenth century it was the Royals and their wealthy courtesans who established fashion trends. Commoners aspired to dress as their Kings, queens, princes, and princesses but one had to actually see noblemen or women to get an idea of new trends. Some royals sent their tailors around the country with life-size dolls dressed in the latest styles to spread news of fashion changes. In 1672, the first fashion magazine began publication in France. Called Mercure Galant, the magazine offered comment on the latest clothing styles and was read throughout Europe. The French also led the way in the creation and circulation of fashion plates, beautiful illustrations of the latest garments that guided the work of local tailors. By the end of the century, many Parisian printers began selling fashion plates, or engravings of fashionable clothes. Portraits of the doyen and doyennes of society in their finery of the time can still be seen in museums around the world memorializing the fashions of these eras.

Queen Marie Antoinette (1755-1793), born Archduchess Maria Antonia Josepha Johanna von Habsburg-Lothringen, is known as the queen who led a tragic yet romantic life, who spent more time on her own pleasures than being a responsible royal, who was obsessed with fashion, pageantry and the Ermine Cape Effect who was the subject of scathing cartoons and scandals and who eventually lost everything she held dear during The French Revolution. For decades, all of the clothing that was being worn around the world was based on designs that came out of Paris. The Book of the Courtesans: A Catalogue of Their Virtues Courtesans: Money, Sex and Fame in the Nineteenth Century First edition of the Mercure Galant, 1672 Mercure Galant, 1678 The first articles about fashion appeared in the Mercure Galant, a magazine launched by Jean Donneau de Visè in 1672. The fashion articles published in this magazine between 1678 and 1679 were illustrated by images that could be considered as ads since they were accompanied by the names of the suppliers of the clothes and accessories. Eighteenth-Century French Fashion Plates in Full Color: 64 Engravings from the “Galerie des Modes,” 1778-1787 The Art & Architecture Collection has a large collection of women’s (and some men’s) 19th century fashion-plate periodicals. World of Fashion 1838 spread courtesy of the New York Public Library

In the late 1800’s fashion took a more democratic turn with the introduction of fashion magazines like Harper’s Bazaar and Vogue. Initially illustrated by hand, it was when Condé Nast hired Baron Adolph de Meyer (German, 1868–1946) in 1913 to shoot portraits of models, actresses, and aristocrats for Vogue that photographs began to be used in fashion editorials. These magazines and their editors drove fashion, giving fame to names like Chanel, Schiaparelli, Balenciaga, and Lanvin. But it was the models, actresses and society ladies that the women of the day aspired to be, or at least look like. Throughout this time fur was at the forefront, an easy communication that the wearer was chic, glamorous and affluent.

1867 Harper’s Bazaar First Cover devoted to fashion and literature, is published on November 2 The very first issue of VOGUE magazine, released on 17 December, 1892. Baron Adolph de Meyer, Vogue’s first staff photographer Artist Canvas Print featuring the photograph Portrait Of Baron Adolph De Meyer by George Hoyningen Actress Lillian Gish photographed by by Baron Adolph de Meyer Portrait of iconic film actress Marian Nixon by Baron Adolph de Meyer Trailblazing black actress Josephine Baker by Baron Adolph de Meyer, 1925 for Vogue Dolores – Follies + frolics, Vogue 1918

Beginning in the 1930’s the images of glamorous film stars gracing the silver screen and news reels began to direct fashion buying trends. These newsreels would show the stars at premieres and openings of special events living a life of luxury, wearing and showing the latest fashions and hairstyles. To fans who wanted to emulate their favorite stars these images provided a virtual catalog of the looks to look out for.

Music, too has its influence on fashion as music trends define the cultural zeitgeist of an era. Think back and remember the bobbysoxers who made rolled upped denim jeans and poodle skirts popular in the 1950’s. In the early 60’s it was the mod look out of the UK that influenced designers like Pierre Cardin. The late 60’s and early 70’s gave us boho chic with the influence of the hippie look showing up in fringe and beading and flowing volume. New wave and punk dominated the 1980’s and early 1990’s. And with the advent of Rap music in the early part of this century a new era of “bling” fashion and street style was popularized with fur playing a leading role.

Bobbysoxers-Teenage fans wait for a glimpse of Frank Sinatra, Los Angeles, 1944 British Youth Culture – Mods & Rockers 1960s – 1970s Mod teenagers in 1965 Marilyn Monroe, wearing a William Travilla gown, arriving at gossip columnist Walter Winchell’s birthday party at Ciro’s, New York, 1953 60’s wool coats with optional opossum fur collar 1970s Model icon: A photograph of Twiggy wearing an Ossie Clark fox fur coat from 1970

More recently, it seems, there is a new breed of fashion royalty. Social media has given us the “Influencer”. With literally millions of followers on their blogs, Instagram and Youtube the fashion influencer can move the needle on how, when and what consumers search and shop for. Brands are willing to pay them huge sums of money to act as brand “ambassadors”, featuring photos and brief write-ups of their fashion products on their blogs or Instagram sites. We’ve recognized their impact on fashion, particularly among the younger fashion buyer, and acknowledge that they can make or break a fashion trend. Among the most popular of these influencers are some fur lovers including Olivia Palermo, Bryan Boy, Aimee Song of Song of Style, Chriselle Lim of The Chriselle Factor, Rumi Neeley of Fashion Toast and Chiara Ferragni of the blog The Blonde Salad.

2013 Fur Information Council of America ad campaign featuring fashion blogger Rumi Neely of Fashion Toast Olivia Palermo during Fashion Week Aimee Song Chiara Ferragni who started the popular blog The Blond Salad Bryan Boy was one of the original bloggers who highlighted the versatility of fur fashion for today’s uber chic young jet set Dennis Basso – Front Row – February 2018

The truth is that fashion influence can come from almost anywhere today. It is all about the individual and what drives their dreams and aspirations. So, where does your primary fashion influence come from?