Tarih Podcast'leri

Japon Kaligrafi

Japon Kaligrafi


Japon Kaligrafisinin Farklı Tarzları

Japon kaligrafisi, zengin tarih ve kültürle dolu zarif ve duygusal bir zanaattır. Shodo Japon kaligrafisi olarak da bilinen ve bir dizi fırça darbesiyle güzel bir şekilde ifade edilen bu eşsiz sanat formunu herkes uygulayabilir ve öğrenebilir. Shodo doğrudan 'yazma tarzı' anlamına gelir ve bu kaligrafi türünde gerçekten ustalaşmak on yıllar alır. Bu yazıda Japon kaligrafisinin kısa bir tarihçesini sunacağız, farklı stilleri belirleyeceğiz ve bunları tartışacağız. aletler başlaman gerek!


Japon Hat Sanatının Tarihçesi ve Biçimleri

Japonya'da kaligrafi, MS 600 civarında tanıtıldı ve Shodō veya "yazının yolu" olarak bilinir. Shodō, MÖ 28. yüzyıla kadar izlenebilen Çin kaligrafisinden ilham almıştır. Bu sanat formunun yaratıcılarının Kuukai (bir Budist keşiş), İmparator Saga ve Tachibana no Hayanari (bir saray mensubu) olduğu düşünülmektedir. Birlikte, wayou veya Japon stili adı verilen benzersiz bir kaligrafi stili yaratmayı başardılar.

Amerikalı çocukların ilkokulda el yazısı kullanmayı öğrenmesi gibi, Japon çocuklar da kaligrafiyi okulda öğreniyorlar. Üç farklı kaligrafi stili vardır: kaisho, gyosho ve sousho.


Kaisho, çizgilerin düzgün ve temiz olması için her vuruşun çok dikkatli ve kasıtlı olarak yapıldığı pratik bir stildir. Bu Japon kaligrafi stilini bir bilgisayar yazı tipiyle karşılaştırabilirsiniz. Harfler günlük karakterlere benzediği için çoğu çocuk bu stili önce öğrenir. Kaisho'yu öğrenmek, "fude" olarak da bilinen fırçayı kullanmayı öğrenmelerine yardımcı olacaktır.


Bir sonraki stil, Japon kaligrafisinin yarı el yazısı versiyonu olan gyousho'dur. Gyosho en iyi şekilde hızlı bir yazı türü olarak tanımlanır. Aceleniz olduğunu ve çabucak bir şeyler yazmaya çalıştığınızı hayal edin - bu çok güzel! Bu tarz daha organik bir his veriyor. Vuruşlar, kaisho'nun katı vuruşlarından daha yuvarlaktır ve çoğu Japon yetişkin tarafından kolaylıkla okunabilir.


Son stil, Japon kaligrafisinin el yazısı stili olan sousho olarak bilinir. Bu tarzda yazarken, sanatçı fırçayı kağıttan nadiren hareket ettirir. Karakterlerin kıvrımları gyousho stilinden çok daha yuvarlaktır. Gerçek bir sanat formu olan bu kaligrafi stili, işlevsellikten ziyade estetik çekicilik için yazılmıştır. Bu tip senaryoyu sadece özel eğitim almış kişiler okuyabilir..


Tarihi şodo

Tahmin edebileceğiniz gibi, shodo kökeni Çin'dedir ve ilk olarak 5. yüzyılın başlarında Japonya'ya tanıtıldı. Shodo'nun tanıtılmasından önce, Japonya'nın genellikle Japonya'da edebi kültürden yoksun olduğu düşünülüyordu, çünkü onlara ihtiyaç yoktu.

Daha sonra, Budizm Japonya'ya tanıtıldıktan sonra, shodō popülaritesini artırmaya başladı. Japonya'da bu dönemde, Çince karakterler Budist sutraları kopyalamak için yaygın olarak kullanıldı ve sonuç olarak, shodō'nun en eski eserlerinin tümü Budizm ile ilgilidir.

Shodō, Budizm'in Japonya'ya tanıtılması ve insanların Budist sutralarını kopyalamak için mektuplar kullanmasıyla popüler hale geldi. shodo'nun hepsi Budizm ile ilgilidir. Prens Shōtoku Taishi (574 - 622) Budizm'i ve meditasyonun bir parçası olarak sutraları elle kopyalama uygulamasını teşvik etti. shakyō, hat pratiğini daha da yaygınlaştırdı. Bu süre boyunca, shodo'nun estetik tarzı, Çin kaligrafisinin stillerini çok yakından taklit etti.

Shodō, Ono-no-Michikaze (894 - 966) ve Budist keşiş Kukai (774 - 835) gibi ustalardan esinlenen Çin kaligrafisinden nihayet sapmaya Heian Dönemi'ne (794 - 1185) kadar başlamadı. Şu anda, Japon tarzı kaligrafi daha el yazısı ve yuvarlak hale gelmeye başladı ve Japonca karakterlere yol açtı (kana), sonunda oldu hiragana bugün kullanıldı.

Kamakura Döneminde (1185-1333) Zen Budizminin yayılması, kaligrafi olarak bilinen yeni bir kaligrafi biçimini doğurdu. bokusekiliberal bir biçim, gevşek kurallar ve sınırsız bir tarza sahipti. Eski kaligrafi stillerine kıyasla çok soyut ve daha duygusal görünüyor. Japonya uzun bir izolasyon döneminden sonra 19. yüzyılın ortalarında Batı'ya yeniden açıldığında, hat sanatı yeniden önemli değişiklikler geçirdi. 1800'ler ve 1900'ler boyunca hattatlar, sanatlarını Batı resmine benzer şekilde kendilerini ifade edebilecekleri bir sanat olarak görmeye başladılar.


“YAZI” NEREDE OLUR?

Yukarıdaki kaplumbağa kabuğu yakmaları Çin yazı sisteminin temeli ve temeliydi, ancak Zhou Hanedanlığı'na kadar (önceki kaplumbağa kabuğu yakma Shang Hanedanlığından sonra) işler ilginçleşmeye başladı. Shang Hanedanlığı ortadan kayboldu ve Zhou Hanedanlığı tüm bu kaplumbağa kabuklarını buldu ve “dang, bu bir tür yazı sistemi olabilir” gibiydi. Oradan, bu kaplumbağaları kullanarak olayları, havalı insanları ve benzerlerini belgelemeye başladılar. -kabuk karakterler. Bununla birlikte, bu hanedanın yazıcıları, orijinalleri incelemek için hiçbir zaman gerçekten zaman ayırmadılar, bu yüzden bir şeyler uydurmaya başladılar. Bir karakter tanımıyorlarsa, bir tahminde bulunurlar, bu da elbette birçok kanjinin doğmasına yol açar (aynı zamanda yazımda bir çok tutarsızlık). Birden çok krallık ve yazmanın birden çok yolu vardı ve hiç kimse orijinalleri %100 takip etmediğinden okumanın büyük bir kafa karıştırıcı olduğunu hayal ediyorum. Hatta görünüşe göre Konfüçyüs bundan şikayet etti, ki bu o kadar da şaşırtıcı değil çünkü Konfüçyüs çok mızmızdı. Biri Whaambulance'ı çağırsın… Whaaa, whaaa.

Çin, Qin Hanedanlığı'na kadar (yani MÖ 221) tek bir krallık altında birleşti ve yazı sistemi de birleştirildi. Li Si (Başbakan), 3300 farklı kanji içeren, bilginlerin öğrenmesi gereken tüm karakterlerin bir dizinini yazar. Bu, sonunda herkesin aynı şekilde kanji yaptığı ve Kanji'nin nihayet işe yaradığı (ve Japonya'ya gitmeye hazır olduğu) anlamına gelir. Kısa bir kenara: ne yazık ki, bu 3.300 kanji listesi kalıcı değil. Akıllı insanlar Çin'de 10.000'den fazla kanji ve Japonya'da 8.000'e kadar kanji öğreniyor (burada kanji, neyse ki, kesinlikle kullanılmaz). her şey). Neyse ki, yaklaşık 2.000 ile gerçekten rahat bir şekilde geçinebilirsiniz.


Japon kaligrafisinin yanlış kullanıldığını çok sık görüyoruz ve bu nedenle sanat eserimizi ücretsiz olarak sunmaya karar verdik. Bu ücretsiz çevrimiçi referansın, yanlış çizilmiş Shodō miktarını azaltmasının yanı sıra dövmelerde, posterlerde, stok fotoğraflarında, web sitelerinde ve daha fazlasında gördüğümüz yanlış çevirileri sınırlamasını umuyoruz. İnternet inanılmaz bir kaynaktır, ancak birçok insan, özellikle konuya aşina olmadığında, çevrimiçi gördüklerini sorgulamadan kabul etme eğilimindedir. Shodō veya Kanji'nin kötü bir çevirisi veya kötü çizimi, yazının anlamını tamamen çarpıtabilir ve bu çarpıcı sanat formunun doğasından uzaklaşabilir. Japon kaligrafisini kullanmak isteyen herkesin GERÇEK Japon kaligrafisinin ne kadar güzel olabileceğini bilmesini istiyoruz.

Tüm çalışmalarımız "Nihon Shodō Kyokai (Japonya Shodō Derneği)" tarafından onaylanmış gerçek bir Japon Shodō Ustası olan Eiko tarafından çizildiğinden, doğru Shodō sağlamak için sitemize güvenebilirsiniz. Eiko'nun hassas çalışmasını hem güzel hem de sofistike bulacaksınız. Aslında, Gago'su (takma adı) "Su Hayranı" anlamına gelen "Suisen(水扇)" dir.

Lütfen hem burada hem de Facebook sayfamızda güncellemeler için sık sık kontrol edin. Düzenli olarak yeni Shodo çizimleri yükleyeceğiz.


Her Şeyin Başladığı Yer (Kaplumbağalar Zor Oldu)

Şimdi, bu sadece bir teori (insanlar hoşuna gidiyor gibi görünse de), ama Çin'de çok eski zamanlarda (MÖ 2000'den bahsediyoruz, bu yaklaşık 4000 yıl önce) insanların cennete sorular sorması gerekiyordu. Nasıl soru sordular? Gökyüzüne bağırarak değil. Bunun yerine kaplumbağa kabukları veya hayvan kemikleri alıp yakarlardı.

Şimdi, bir kaplumbağa kabuğu veya hayvan kemiği yandığında çatlaklar oluşur. Oradan, bu çatlakları analiz eder ve onları yazarlardı (yani kopyalarlardı), çatlakları gerçek hayattaki şeylerle karşılaştırarak onlardan anlam çıkarırlardı (yani, çatlaklar bir şeye benziyorsa, ona bir anlam atfederlerdi) . Bir sürü kaplumbağa öldürerek, yağmurun yağıp yağmayacağını, bir felaket olup olmayacağını veya ne istersen onu anlayabilirdin (burada yanmış kaplumbağa kabuklarından anlam çıkarıyorsun).

Bir süre sonra, yazıcılar tüm bu çatlamış kaplumbağa kabuklarının ve hayvan kemiklerinin bir kaydını tuttuğundan, bu "sembolleri" yanmamış kaplumbağa kabuklarına geri kopyalamaya başlayacaklardı. Tahminimce, yanmış çatlakların Tanrılardan bir mesaj olduğunu düşündüler ve onları kopyalayarak ve "onları geri göndererek" istedikleri şeyleri isteyebileceklerdi (ilk etapta çatlakların ne anlama geldiğini anladıktan sonra). Bu nedenle, bu döneme ait üzerinde Çince karakterlerle yazılmış çok sayıda kaplumbağa kabuğu vardır. Zavallı kaplumbağalar. Burada, kaplumbağa kabuğu yazılarına bir göz atabilir ve zaman içinde nasıl geliştiği hakkında bir fikir edinebilirsiniz:

"B51 Bombardıman Uçağı Çin zaferi için balık bırakıyor" için "Dans" sembolünü yanlış okuduklarından oldukça eminim.


Japon kaligrafi tarihi ve Altın Çağı

Bugün tanıdığımız Japon kaligrafisi, İmparator Destanı döneminde başladı. Yazı, Çin tarzından önemli ölçüde değişti. Resmi kayıt tutma için kullanıldı ve okullarda öğretildi. Japon hükümeti daha militarist hale gelse bile, bir sanat formu olarak hat sanatı gelişti. Japonya'nın kendisini dünyanın geri kalanından izole ettiği dönemde, hat sanatı dış etkilerden etkilenmeden büyüdü. Ülke tekrar açıldığında, Japon kaligrafisi dünya çapında bilinir hale geldi.

Bugün kaligrafi hala iyi gidiyor. İlköğretim okulları temel bilgileri öğretir ve öğrenciler yaşlandıkça okumaya devam etmeyi seçebilirler, böylece sanat gelecek nesiller boyunca devam edecek. Bu eski uygulama ilginizi çekiyorsa, sayısız çevrimiçi öğretici ve kitap bulabilirsiniz.

Japon kaligrafi masası


Tarihi şodo

Japon dili üç komut dosyası kullanır: kanji, hiragana, ve katakana.
kanji 5. yüzyılda Budizm ile birlikte Japonya'ya tanıtılan Çince karakterlerdir. Japonca o zamanlar yazılı bir formdan yoksundu, bu yüzden Çince yazılı iletişim ve dini metinler için kullanıldı. 7. yüzyılın ortalarında, man'yoganaJaponca sesleri temsil etmek için Çince karakterleri kullanan bir yazı sistemi kullanıma girdi. Japon kaligrafisinin en eski eserleri bu dönemden kalmadır ve bunların çoğu hala Çince'yi kullanır.
Man'yogana'dan Japonya'nın diğer iki senaryosu geldi. Hiragana imparatorluk sarayının kadınları tarafından kullanılan akıcı, el yazısı tarzından evrimleşmiştir. katakana dini metinleri kopyalarken karmaşık Çince karakterleri kısaltmanın bir yolu olarak Budist rahipler tarafından geliştirilmiştir.
Çin tarzındaki hat sanatı, 794'ten 1185'e kadar olan Heian döneminde zirveye ulaştı. 9. yüzyılın başlarında, keşiş Kukai, İmparator Saga ve Tachibana no Hayanari, Tachibana no Hayanari olarak adlandırıldı. Sanpitsuveya 'üç fırça' ve dönemin en iyi hattatları olarak kabul edildi.
10. yüzyılda başka bir üçlü, Ono no Michikaze, Fujiwara no Yukinari ve Fujiwara no Sukemasa, kana kaligrafi. Sanseki, yani "üç iz" olarak biliniyorlardı ve Çin taklitlerinden farklı olarak Japon wayo stilinin kurucuları olarak kabul ediliyorlardı.
Bu klasik temellerden, shodo günümüze kadar gelişmeye devam etmiştir.


Genel özellikleri

Japon sanatının incelenmesi, Japonya'nın Batı'ya açıldığı 19. yüzyılın sonlarında ve 20. yüzyılın başlarında kurulan tanımlar ve beklentiler tarafından sıklıkla karmaşık hale geldi. Diğer kültürlerle dramatik bir şekilde artan etkileşim fırsatı, Japon estetik ilkelerinin uygun bir özetini gerektiriyor gibiydi ve Japon sanat tarihçileri ve arkeologlar, Neolitik çanak çömleklerden tahta baskılara kadar geniş bir malzemeyi kategorize etmek ve değerlendirmek için metodolojiler oluşturmaya başladılar. Kısmen çağdaş bilimsel değerlendirmelerden ve kısmen coşkulu genelcilerin sentezlerinden formüle edilen bu teoriler, Japon kültürünün ve daha özel olarak Japon sanatının özellikleri üzerine beklenmedik bir şekilde zamanın önyargılarını ve zevklerini taşımadı. Örneğin, Heian döneminin (794-1185) saray sanatını Japon sanatsal başarısının zirvesi olarak görme eğilimi vardı. İncelikle metaforik anlam yüklü imgeler için incelik için estetik tercih, cesur beyan yerine duygulara ve değerli öneriye yalnızca dolaylı göndermelere izin veren son derece nüanslı mahkeme adetlerini yansıtıyordu. Heian saray estetiğinin kanonlaştırılmasıyla paralel olarak var olan, çay törenini çevreleyen estetik hassasiyetlerin özünde Japon olduğu fikriydi. 16. yüzyılda geliştirilen bu ortak ritüel, incelikli içgörü tezahürlerine yol açmayı amaçlayan bir alıştırmada bulunan ve incelikle işlenmiş nesnelerin aşırı bilinçli yan yana getirilmesini vurguladı. Ayrıca Japon görsel estetiğinde dolaylı ve eksik ifadenin merkezi rolünü vurguladı.

Japon kültürünün Batı'daki en önemli misyonerlerinden biri Okakura Kakuzō idi. Boston Güzel Sanatlar Müzesi'nde Japon sanatının küratörü olarak, Asya sanatının ve kültürünün gizemlerini takdir eden Boston Brahminlerine anlattı. gibi eserlerin yazarı olarak Doğu'nun İdealleri (1903), Japonya'nın Uyanışı (1904) ve Çay Kitabı (1906), Batı modernitesinin çınlayan çelik ve geğirme bacalarına bir panzehir bulmaya hevesli daha da geniş bir kitleye ulaştı. Japonya -ve genel olarak Asya- Batı için potansiyel bir ruhsal yenilenme kaynağı olarak anlaşıldı. Tamamen modern bir Japon donanması, Rus-Japon Savaşı'nın (1904-05) doruk noktasında Tsushima Boğazı'ndan buharlaşan gururlu Rus donanmasını kıyma yaptığında, Okakura'nın derslerine ironik bir karşıtlık vardı. Bu şaşırtıcı derecede kavgacı Japonya açıkça çay ve şekerden daha fazlasıydı ve belki de Japon sanatlarının ve kültürünün aşırı seçici bir tanımının yararlı şiddet, tutku ve derinden etkili heterodoksi suşlarını dışlamış olabileceği görülüyordu.

21. yüzyılın başlangıcında, Japonya'nın yüzeysel izlenimleri, zarif incelik ve ekonomik cesaretin kutupsal özelliklerini birleştiren, rahatsız edici bir şizofrenik imajı hâlâ besliyordu. Bununla birlikte, aşırı basitleştirmenin tuzaklarına yukarıda değinildi ve hem Japon hem de Batılı bir yüzyıllık bilim, onu üreten daha geniş kültür kadar tamamen karmaşık ve çeşitli bir görsel ifade mirasına dair bol miktarda kanıt sağladı. Bununla birlikte, çeşitlilik içinde fark edilebilir örüntüler ve eğilimler Japonca olarak tanınabilir ve karakterize edilebilir.

Çoğu Japon sanatı, dış güçlerle yoğun etkileşimin veya bunlara tepki vermenin izini taşır. Hindistan'da ortaya çıkan ve tüm Asya'da gelişen Budizm, en kalıcı etki aracıydı. Japonya'ya zaten iyi kurulmuş bir ikonografi sağladı ve ayrıca görsel sanatlar ile manevi gelişim arasındaki ilişkiye dair perspektifler sundu. Kore'den önemli Budizm akımları 6. ve 7. yüzyıllarda meydana geldi. Çin Tang uluslararası tarzı, 8. yüzyılda Japon sanatsal gelişiminin odak noktasıyken, Çin Ezoterik Budizminin ikonografileri 9. yüzyıldan itibaren oldukça etkiliydi. Çin Chan (Japonca: Zen) Budist rahiplerin 13. ve 14. yüzyıllarda ve daha az bir dereceye kadar 17. yüzyılda büyük göçleri Japon görsel kültürüne silinmez izler bıraktı. Bu etki ve asimilasyon dönemleri, yalnızca dini ikonografiyi değil, aynı zamanda Çin kültürünün geniş ve büyük ölçüde sindirilmemiş özelliklerini de getirdi. Bir yazı sisteminden politik yapılara kadar tüm kültürel ifade yapıları Japonlara sunuldu.

Bu nedenle Japon kültürünün ve özellikle görsel kültürün gelişimini döngüsel bir asimilasyon, adaptasyon ve tepki modeli olarak tanımlayan çeşitli teoriler ortaya atılmıştır. Tepkisel özellik bazen Japon sanatının en bariz benzersiz ve yerli özelliklerinin geliştiği dönemleri tanımlamak için kullanılır. Örneğin, Heian döneminin 10. ve 11. yüzyıllarında, siyasi nedenlerle Çin ile geniş çaplı temasın kesildiği zaman, kendine özgü Japon resim ve yazı stillerinin konsolidasyonu ve kapsamlı gelişimi oldu. Benzer şekilde, Muromachi döneminin (1338-1573) kültürünü belirleyen -mürekkep monokrom resim zevki ile karakterize edilen- Çin Zen estetiğinin engin etkisi, Tokugawa döneminin (1603-1867) şafağında cesurca renkli bir tür tarafından gölgede bırakıldı. ve yeni birleşmiş ulusun çiçek açan yerli kültürünü kutlayan dekoratif tablolar. Bununla birlikte, döngüsel asimilasyon kavramı ve ardından bağımsızlığın iddiası kapsamlı nüanslar gerektirir. Kıtasal ya da yerli sanat biçimlerinin egemen olduğu dönemler olsa da, genellikle iki biçimin bir arada var olduğu kabul edilmelidir.

Japon sanatının bir başka yaygın özelliği, doğal dünyayı manevi bir içgörü kaynağı ve insan duygularının öğretici bir aynası olarak anlamasıdır. Budizm'den çok önce gelen yerli bir dini duyarlılık, doğada manevi bir alemin tezahür ettiğini algıladı (görmek Şinto). Kaya çıkıntıları, şelaleler ve budaklı yaşlı ağaçlar, ruhların meskenleri olarak görülüyordu ve onların kişileştirilmesi olarak anlaşıldı. Bu inanç sistemi, doğanın büyük bir kısmına sayısız nitelikler bahşetmiştir. Buna karşılık, ruh dünyasına bir yakınlık ve yakınlık duygusunun yanı sıra doğanın genel iyiliğine olan güveni de besledi. Mevsimlerin döngüsü son derece öğreticiydi ve örneğin değişmezliğin ve aşkın mükemmelliğin doğal normlar olmadığını ortaya çıkardı. Her şey bir doğum, meyve verme, ölüm ve çürüme döngüsüne tabi olarak anlaşıldı. Budistlerin gelip geçicilik kavramları böylece doğadan talimat alma yönündeki yerli eğilimle birleştirildi.

Doğaya özenli yakınlık, genellikle yapaylıktan kaçınan bir estetiği geliştirdi ve güçlendirdi. Sanat yapıtlarının üretiminde, kurucu malzemelerin doğal niteliklerine özel bir önem verildi ve bir yapıtın ifade ettiği toplam anlamın ayrılmaz bir parçası olarak anlaşıldı. Örneğin, 9. yüzyılın Japon Budist heykeli, alçı veya bronz Tang modellerinden bir süreliğine doğal, çok renkli olmayan ahşaplara geçtiğinde, zaten eski ikonografik formlar, ahşaba önceden var olan ve çok katmanlı bir saygıyla eritildi.

Doğal olanla birlik de Japon mimarisinin bir unsuruydu. Mimarlık doğaya uygun görünüyordu. Çin tarzı tapınak planlarının simetrisi, tepelik ve dağlık topografyanın belirli hatlarını takip eden asimetrik düzenlere yol açtı. Yapılar ve doğal dünya arasındaki sınırlar kasten belirsizdi. Uzun verandalar ve çoklu kayar paneller gibi unsurlar, doğaya dair sabit manzaralar sunuyordu - her ne kadar doğa, vahşi ve gerçek olmaktan ziyade dikkatli bir şekilde düzenlenmiş ve üretilmiş olsa da.

Kusursuz biçimde şekillendirilmiş, bozulmamış ve bozulmamış bir sanat ya da mimari yapıt, nihayetinde uzak, soğuk ve hatta grotesk olarak kabul edildi. Bu duyarlılık, Japon dini ikonografisinin eğilimlerinde de belirgindi. Budist dünyasının genellikle Çin'den miras aldığı düzenli hiyerarşik kutsal kozmolojisi, Çin'in dünyevi emperyal mahkeme sisteminin özelliklerini taşıyordu. Bu özelliklerden bazıları Japon uyarlamasında korunurken, aynı zamanda kolayca ulaşılabilir tanrılar yaratmaya yönelik eşzamanlı ve önlenemez bir eğilim de vardı. Bu genellikle Jizō Bosatsu (Sanskritçe: Kshitigarbha bodhisattva) veya Kannon Bosatsu (Avalokiteshvara) gibi yardımcı tanrıların artan kült bağlılığı seviyelerine yükseltilmesi anlamına geliyordu. Yüce tanrıların içsel şefkati, bu figürler ve ikonografileri aracılığıyla ifade edildi.

Manevi ve doğal dünyanın etkileşimi, ortaçağ döneminde üretilen birçok anlatılı kaydırma resminde de nefis bir şekilde ifade edildi. Tapınak kuruluş hikayeleri ve aziz kurucuların biyografileri, yeryüzünde dolaşan ve halkla insan ölçeğinde etkileşime giren hem göksel hem de şeytani güçleri anlatan bölümlerle doluydu. Doğaüstünün rahat evcilleştirilmesine yönelik belirgin bir eğilim vardı. İyi ve kötü arasındaki keskin ayrım nazikçe azaltıldı ve diğer dünya varlıkları, onlara bir düzeyde ulaşılabilirlik sağlayan insan belirsizliğinin özelliklerini üstlendi ve her iki uçtaki mükemmelliği de kusurlu bir şekilde bozdu.

17. yüzyılda popüler olan parlak polikromlu sır üstü emayeler gibi daha da açık bir şekilde dekoratif eserler, yüzey görüntülerinin doğal dünyadan üstünlüğünü seçmiştir. Tekstil, seramik ve cilalı ürünlerin yüzeylerinde bulunan tekrarlanan desenler, genellikle dalgalar veya çam iğneleri gibi doğal formların dikkatle işlenmiş soyutlamalarıdır. Moleküler altyapının bir tür ipucu veya önerisi olarak birçok durumda desen, dikkatle işlenmiş gerçekçiliğe tercih edilir.

İnsan çabasının gündelik dünyası, Japon sanatçılar tarafından dikkatle gözlemlenmiştir. Örneğin, çok sayıda sıradan pozdaki insan figürü, matbaa sanatçısı Hokusai (1760-1849) tarafından unutulmaz bir şekilde kaydedildi. Tuhaf ve esprili olan, ortaçağ el yazmalarının veya 17. yüzyıl tür ekran resimlerinin birçok anonim yaratıcısının görüşünden nadiren kurtuldu. Kan ve vahşet, ister savaşta olsun, isterse kriminal kargaşada olsun, insanın yadsınamaz yönleri olarak şiddetle kaydedildi. Benzer şekilde, şehvetli ve erotik olan, hoş ve sansürsüz bir şekilde yorumlandı. Doğaya duyulan saygı ve merak, botanikten insan faaliyetinin her boyutuna kadar uzanıyordu.

Özetle, Japon görsel sanatının kapsamı çok geniştir ve bazı unsurlar gerçekten zıt görünmektedir. 12. yüzyılın ışıklı bir sutra el yazması ve ürkütücü bir sahne seppuku 19. yüzyıl matbaa sanatçısı Tsukioka Yoshitoshi tarafından yapılan (ritüel bağırsak çıkarma) ancak en yapay şekilde ortak bir estetiğe zorlanabilir. Bu nedenle izleyiciye şaşırtıcı bir çeşitlilik yelpazesi beklemesi tavsiye edilir. Yine de, bu farklı ifade yapısı içinde, belirli karakteristik unsurlar tekrarlanıyor gibi görünüyor: agresif bir şekilde özümseyen sanat, bir model olarak doğaya derin bir saygı, fenomenlerin betimlenmesinde dogmatik iddiaya karşı kesin bir haz tercihi, şefkat ve insan ölçeğinden dini ikonografiye ve önemli anlam araçları olarak malzemelere duyulan sevgi.


Videoyu izle: วธการอานและเขยนตวอกษรฮระงะนะ เรยนภาษาญปน (Ocak 2022).