Tarih Podcast'leri

Orta çağda yüzük yapmak için hangi teknikler kullanıldı?

Orta çağda yüzük yapmak için hangi teknikler kullanıldı?

Günümüzde modern aletler kullanılarak yüzüklerin yapılma süreci ile ilgili internette birçok bilgi bulunmaktadır. 17. yüzyıldan önce bunu yapmak için hangi teknikler kullanılıyordu?


Halkanın uçlarını tek bir tam döngüde birleştirmek için lehimleme tekniklerini kullanarak.

5000 yıl önce Mezopotamya'da lehimlemenin kullanıldığına dair kanıtlar var. Lehimleme ve sert lehimlemenin, metal işleme tarihinin çok erken dönemlerinde, muhtemelen MÖ 4000'den önce ortaya çıktığı düşünülmektedir. Sümer kılıçları c. 3000 M.Ö. sert lehimleme kullanılarak monte edildi.

Lehimleme tarihsel olarak mücevher eşyaları, yemek pişirme gereçleri ve aletlerin yanı sıra vitray montajı gibi diğer kullanımlar için kullanılmıştır.

Yani, vitray, metal içme/depolama/adak kapları vb. oluşturmak için kullanılan tekniklerin aynısı, sadece daha küçük ve daha karmaşık.

Som altın yüzükler için, saf altından daha düşük bir sıcaklıkta eridiği için dolgu maddesi olarak saf olmayan bir altın formu kullanıldı.

Ortaçağ takı teknikleri

Altının safsızlığı ne kadar yüksek olursa, o kadar hızlı erir ve bu nedenle saf olmayan altın saf olandan önce erir ve daha sonra iki veya daha fazla saf altın parçası eklemek için kullanılabilir.


Zırh yapmak. Orta Çağ'da bunu nasıl yaptılar?

Plaka zırh işçiliğinin özel teknolojileri hakkında çok fazla bilgi yok. Ama yine de o döneme ait farklı kaynaklara sahibiz, örneğin Işıklı el yazmaları, bir zanaatkarın işini yaparken görebileceğimiz ortaçağ illüstrasyonları, özel dövme aletlerinin açıklamaları.

Bu tarihi kaynaklara göre demirciler ve diğer demirci işçilerinin iş organizasyonunda bir yapı vardı. Her biri zırh üretiminin belirli bir bölümünde yer aldı.

Çok ilginç bir el yazması var: 16. yüzyılda Greenwich'te çalışan Alman demircilerin listesi. Orada, farklı zanaatkarların farklı işler yaptığını okuyabiliyoruz: Bazıları zırh şeklini oluşturan çelik levhaları dövüyor, cilacılar sadece cila işlerini bitiriyordu, çilingirler toka ve halkalar yapıp bunları zırhlara takıyordu. Milano zırhları nedeniyle dünya çapında tanınan Milanlı demirciler, XV yüzyılda bir uzmanlık alanında daha da derin işbölümüne sahipti. Bir zanaatkar, tamamlanmış bir zırh olması gereken yalnızca bir veya birkaç zırh parçası yapıyordu. Ayrıca birçok atölyenin kendi gravür, kabuk ve yaldız uzmanları vardı.

XVII yüzyıla kadar çelik levhalar çoğunlukla metal bloklardan yapılmıştır. Demirciler, su mekanizmasının gücüyle hareket ettirilen özel bir hummer kullandılar. Nadiren el hummer kullanıyorlardı. Tarihi kaynaklardan birine göre, yaklaşık 1500 yıllarında Almanya'da ustalar özel bir metal silindir kullanıyorlardı. En azından bu çelik sac yapım yöntemi, tüm Avrupa'da gerçekten popüler hale geldi.

Çelik levhalar, zırh parçalarının modellerine göre kesilmek zorundaydı: çelik bacaklar, çelik kollar, kürekler, baltalar, sabatonlar, zırhlar, miğferler. Daha sonra demirci, özel çelik form şablonları yardımıyla şekil vermeye başladı. Dikey olarak sabitlenmiş birçok farklı örs gibi görünüyorlardı.

Temel bir zırh şekli elde etmek için soğuk dövme kullanıldı. Ancak kavisli kenarlar veya “ribs” gibi bazı kısımlar sadece ısıtma ve temperleme ile yapılabilir.

Geleceğin zırhlarının tüm çelik elmetleri şekillendirildikten, dövüldükten ve sertleştirildikten sonra bir sonraki adım geliyor. En zoru: tüm parçaları bir araya toplamak ve uygun şekilde ayarlamak.

Bu çok önemli bir süreçti, çünkü tamamlanmış zırhın boşluk olmaması, giyilmesi rahat, hareketli, mafsallı olması gerekiyordu. Ve Orta Çağ şövalyesi için gerçekten gerekli olan şey, zırhlarının onu sayısal ortaçağ savaşları sırasında mümkün olduğu kadar koruması gerekiyordu.

Zırh ayarı tamamlandı, sırada ne var? Parlatma, cilalama, cilalama. Parlatıcı bunun için sadece kendi ellerini kullanmamış, özel bir mekanizma da kullanmıştır. Suyla hareket ettirilen bir tür aşındırıcı çarktı.

Zırhın gravür veya kabukla süslenmesi gerekiyorsa, bu, oymacının eline geçerdi. Müşteri gerçekten zengin ve asil ise kuyumcuların da rolü vardı.

Zırhın savaşa (ya da belki geçit törenine) hazır olması için kalan son birkaç adım. Zırh imalatının sonunda çilingir tüm tokaları, halkaları ve sabitlemeleri takmak zorunda kaldı. Çoğu zaman zırhın iç kısmından bir keten kaplaması vardı. Tamamlanan zırh, ustanın damgasıyla gururla “imzalandı”.

Günümüzde modern demirciler, ortaçağ demirci ustalığının bazı tekniklerini kullanıyor. Ancak HMB ve IMCF zırhını üretmek yalnızca ortaçağ ipuçlarıyla ilgili değil, aynı zamanda temel elektrikli aletlerin çalışmasıyla ilgili bir bilgidir.

Uluslar Savaşı veya WMFC, yüksek kaliteli bir zırh gerektirir. Zırhın tarihselliği ve koruyucu nitelikleri birbirini tamamlamalıdır.

Atölyemizde, ortaçağ tam temas dövüşünü başlatmak için temperli çelik zırh, titanyum zırh ve yastıklı malzeme seçebilirsiniz.


Küpelerin Kısa Tarihi

Altın bir küpe ve saf altından bir süs nasılsa, itaatkar bir kulak için bilge bir azarlayıcı da öyledir.

Buz Adam Ötzi'nin Vücutla Birlikte Bulunan Eserlere Dayalı Yeniden İnşası

Küpelerin tarihi ilginçtir çünkü her iki cinsiyette de binlerce yıldır giyilmektedir. İtalyan Alpleri'nde 5.000 yıllık bir cesedin keşfi, bize erkeklerin Tunç Çağı kadar erken bir tarihte küpe taktığını göstermiştir. Avrupa'nın en eski mumyası olarak bilinen Buz Adam Ötzi'nin kulak memesinde 7-11 mm çapında bir delik vardı.

Tutankhamun'un Mezarından Bir Kanoptik Tabut

Mısır firavunu Tutankhamun'un (MÖ 1341-1323) mezarındaki yaldızlı nesnelerde, ölüm maskesi de dahil olmak üzere, küpe delikleri vardır.

Çileci ve bilge Siddhārtha Gautama (c. 563-483 BCE) zenginlik ve güç içinde doğdu. Bir statü göstergesi olarak, kulak memelerini geren ağır küpeler takıyordu. Ancak aydınlanması sırasında, Budizm'in kurucusu mücevherleri de dahil olmak üzere tüm maddi varlıkları attı. Kendini feda etme eylemini kutlamak için, Buda'nın görüntüleri şişmiş kulak memeleriyle tasvir edilmiştir.

Ahameniş hanedanlığı (MÖ 550-330) döneminde Pers İmparatorluğu'nun başkenti olan Persepolis'ten frizler, savaşçıların küpe taktığını gösteriyor. Ve yüzyıllara yayılan bir gelenekte, Hindistan'da erkek ve kız bebeklerin kulak memeleri doğduktan kısa bir süre sonra delinir.

Persepolis'ten Küpeli Bir Askeri Betimleyen Bir Friz

Eskiler, hastalık ve kötü ruhların vücuda ağızlarından girdiğine inanıyorlardı. Bu girişlere kulaklar da dahil olmak üzere tılsımlar takılırsa kişi korunabilirdi. İlk doktorlar ayrıca küpelerin veya içerdikleri değerli taşların baş ağrılarını iyileştirdiğine ve görme yeteneğini iyileştirdiğine inanıyordu. Bununla birlikte, birincil amacın vücudu süslemek olduğu açıktır.

Yaşlı Pliny (MS 23-79) Romalı dostlarını gösterişçi tüketimleri nedeniyle sık sık eleştirdi. onun içinde Doğa Tarihi (Çev. Bostock ve Riley, 1855), yurttaşlarının müsrif yaşam tarzlarından acı bir şekilde şikayet etti. Kadınların yeni keşfettikleri inci küpe zevkini küçümsüyor:

Küpeli Bir Kadının Pompeii Portresi Mozaiği

"Hanımlarımız, parmaklarından sarkıtılan ya da iki ya da üç tanesinin kulaklarından sarkıtıldığı için oldukça şanlıdır. Bu lüks zevklere hizmet etmek amacıyla, bolluk ve savurganlıkla tasarlanmış çeşitli isimler ve yorucu incelikler vardır, çünkü bu küpeleri icat ettikten sonra, onlara sanki 'crotalia' veya kastanyet kolye adını verdiler. Birbirlerine çarpan incilerin şıngırdamasından bile oldukça memnunlar ve günümüzde, insanların 'bir kadının toplum içinde taktığı bir inci' demeye alıştığı gibi, günümüzde daha yoksul sınıflar bile onları etkiliyor. , onun önünde yürüyen bir lictor kadar iyidir.’.”

İncil'de birkaç yerde küpelerden bahsedilir, ancak referanslar genellikle yetersizdir. Örneğin Hoşea 2:13 şöyle der: İsrail “küpelerini ve mücevherlerini kuşandı ve âşıklarının ardınca gitti, ve beni unuttu” diyor RAB.

Süslü küpeler, istendiğinde değiştirilebilmeleri için kolayca çıkarılabilecek şekilde tasarlanmıştır. Bununla birlikte, küpeler aynı zamanda kulağa daha kalıcı birer sabitleyici ve bir kölelik işareti olacak şekilde tasarlanmıştır. Çıkış 21:2–6'ya göre:

“İbrani bir köle satın alırsan, altı yıl hizmet edecek ve yedincide bedavaya çıkacak. Kendi başına geldiyse, kendi başına çıkacaktır; evliyse, karısı da onunla birlikte çıkacaktır. Eğer efendisi ona bir eş vermişse ve o ona oğulları veya kızları doğurmuşsa, karısı ve çocukları onun efendisi olacak ve o kendi başına çıkacaktır. Ve eğer hizmetçi açıkça, "Efendimi, karımı ve çocuklarımı seviyorum" derse, özgürce dışarı çıkmam: O zaman efendisi onu yargıçların önüne getirecek, o da onu kapıya ya da kapı direğine getirecek ve efendisi bir aul ile kulağını delecek ve ona sonsuza dek hizmet edecek.”

Burgonya Meryemi (1457-1482)

Küpeler çağlar boyunca Doğu mücevherlerinde popülerliğini korudu, ancak Batı zevklerinin daha değişken olduğu ortaya çıktı. Küpeler hiçbir zaman modası geçmiş sayılmasa da, zaman zaman diğer takılar kadar popüler olmadılar. Örneğin, Orta Çağ'da kadınlar mücevherli başlık takarlardı ve saç stilleri genellikle kulakları kapatırdı, bu nedenle küpeler gereksiz hale geldi.

Bir _Sir Walter Raleigh'in Portresinin Detayı

Küpelerin popülaritesi 16. yüzyılda geri döndü. Kadınlar her türlü küpeyi takarlardı, ancak inci küpeler özellikle popülerdi. Shakespeare, Sir Walter Raleigh ve Francis Drake de dahil olmak üzere erkekler de kulaklarına altın yüzükler ve diğer süs eşyaları takarlardı. Denizci erkekler arasında, delinmiş bir kulak memesi, dünya çapında veya ekvatorda bir yolculuk anlamına geliyordu. Batıktan kurtulanlar sol kulak memesine bir küpe taktı.

1. Helis, 2. Endüstriyel, 3. Kale, 4. Daith, 5. Tragus, 6. Snug, 7. Conch, 8. Anti-Tragus, 9. Lob

20. yüzyılın başlarında kulak memelerini delmenin uygun olmadığı düşünülüyordu. Küpe kullanımını tamamen ortadan kaldırmak yerine, vidalı küpeler icat edildi. Vidalı ve klipsli küpeler, 1960'larda piercing tekrar moda olana kadar kadınlar arasında popülerliğini korudu.

1980'lerde erkekler bir kez daha bu eski modayı benimsediler. Bugün onları küpe takarken görmek artık şok edici değil. Belki de bu, piercinglerin neden giderek daha ayrıntılı hale geldiğini açıklıyor. Söylemeye gerek yok, günümüzün kulak delme teknikleri ve ekipmanları, bir bız alıp kulaktan kapıya sokmaktan çok farklı. Ancak başka açılardan, işler tam bir döngüye girdi: kuyu boyutları bir kez daha Ötzi'nin yaklaşık 5.000 yıl önce spor yaptığı değerlere yakın.


Düğünlerin Tarihi: Orta Çağ'dan Günümüze

Düğünler Orta Çağ'dan beri bu kadar değişti mi? Bir göz atalım ve görelim'

Sık sık kabadayılık ve sarhoş hallerin eşlik ettiği büyük şölenlerimiz hala var. Müzik ve dans herkes tarafından yapılır. Gelinin hanımları bekler, damadın hizmetçileri. Gelin bazen hala kabarık etek ve çemberler giyiyor. Çoğu insan hala kiliselerde evleniyor. Katolikseniz, yine de boşanmaya karşı bir iptale ihtiyacınız var. Evlilik hala yasalara göre bir sözleşme olarak görülüyor…

Ortaçağ Düğünleri

Ortaçağda evlilik yasalarının yükselişini gördük. 1076'da Westminster Konseyi, evliliğin bir rahip tarafından kutsanması gerektiğini bir yasa haline getirdi ve 16. yüzyılda, evliliğin tanıkların bulunduğu bir rahip tarafından yapılması gerektiği söylendi. Günümüzün evlilik sözleşmeleri, evlilik sözleşmeleri ve lisanslara benzer şekilde sözleşmeler ve yasal belgeler düzenlenmeye başlandı. Çeyiz, mülkiyet, haklar vb. bu belgelerde yer alacaktır.

İster inanın ister inanmayın ama Orta Çağ'da bir kadının düğününden önceki güzellik rejimi benimkinden önce yaptığım şeye çok benziyor #8230 Yüzü genellikle bir çeşit kozmetik ile boyanırdı (daha sonraki bir tarihte kozmetik tartışılır) . Saçlarını güneşte ağartabilir. Bazı kadınlar saçlarını yoldu. Orta çağda yüksek alınlı olmak moda olarak kabul edilirdi. Şimdi bunu yapmadım ama dul eşinin zirvesine pek düşkün olmayan bir arkadaşım var. Saçlar gevşek veya çiçekli bir çelenk ile giyilirdi. Bu bir gelini süsleyen tek çiçek olabilir. Bazıları bir poşet ot ve potpuri taşıyordu, ancak çağdaş gelinlerin taşıdığı geleneksel buketleri değil.

Zengin veya asil bir aileden gelen bir kadın, güzel bir sıcak banyo yapar, ardından çiçek ve bitki kokulu yağlar alırdı. Öyle olmasaydı, kirli olurdu ama yine de kokuları örtmek için bir çeşit parfüm alırdı. Bunu düşünmek kötü olabilir ama eğer herkes kirliyse bu normaldir.

Altın veya gümüş işlemeli en iyi ipekler giyilirdi. Parlak renkli kumaşlar popülerdi. Erkekler en iyi saray kıyafetlerini, hatta yeni yapılmış bir takım elbiseleri giyerlerdi. Mücevherler, kürkler ve ayrıntılı kemerler her asil bedeni süsledi.

Bugün beyaz saflığın simgesidir ve çoğu gelinlik bu tonda yapılır. Orta çağda bu böyle değildi. Mavi saflığın simgesi olduğu için gelinler en sık mavi giyerdi. Elbisesi mavi değilse, üzerine kurdele gibi mavi bir şey giyerdi. Dolayısıyla bugünün ’s, “mavi bir şey”.

Jartiyer orta çağda da popüler oldu. Misafirler gelin ve damadın peşinden çifti yatırdıkları odalarına kadar takip ederken, aşırı hevesli misafirler gelinin cübbesiyle boğuşur, uğur getirmesi için bir şeyler almaya çalışırlardı. O zaman jartiyer popüler oldu, bu yüzden insanlar onu almaya çalışacaktı. Acaba modern bir damadın gelinin eteğinin altına gömülüp dişleriyle dantelli jartiyeri çıkardığını görünce ne kadar şaşıracaklar acaba? “Oh, Tanrım!” **kendinden geçiyor** Bu çok komik olurdu.

Köylüler genellikle sadece günlük kıyafetlerini, belki de kilise için sakladıkları tek iyi kıyafeti giymeyi göze alabiliyorlardı.

Asil kökenli bir kişi için düğünleri kalede veya şekilde gerçekleşebilir. Bir rahip tarafından kutsandığı sürece, törenin bir kilisede yapılması gerekli değildi. Bunu aptallar, ozanlar, müzisyenler ve diğer eğlencelerle birlikte büyük ziyafetler takip edecekti.

Bugünün katmanlı düğün pastaları aslında Orta Çağ'dan geliyor. Misafirler küçük kekler getirir ve üst üste dizerdi. Gelin ve damat daha sonra pastaları yere düşürmeden üstlerini öpmeye çalışırlardı.

Misafirler arasında konut sakinleri, diğer soylular ve uzak akrabalar vardı. Davetiyeler gönderilmedi.

Asil düğün nadiren aşkla doluydu. Görücü usulü bir evlilikti.

Şimdi köylüler biraz farklıydı. Genellikle aşk için evlenirlerdi ya da belki de hamilelikle sonuçlanan hızlı bir aşk şöleni onları uçurumdan aşağı iterdi. Farklılıklara rağmen, köylüler hala evliliği yasal bir sözleşme olarak görüyorlardı ve görücü usulü evlilikten zarar görenler de vardı. Bazı köylülerin katıldığı evlerde nişan törenleri yapılırdı. Bir köy geleneği, gelin ve damadın kendilerine bereketli bir evlilik dilemek için tahıl tohumlarıyla duş yapmalarıydı.

Yüzükler zenginler arasında değiş tokuş edilirdi, ancak köylüler arasında genellikle damat bir madeni paranın bir yüzünü kendine ayırıp diğerini geline verirdi.

Elizabeth Düğünleri

Orta çağlardan gelen pek çok gelenek, Elizabeth döneminde hala korunuyordu. Din, düğünlerde hâlâ önemli bir rol oynuyordu ve törenler büyük olasılıkla bir kilisede bir rahip tarafından yönetilecekti. Bir alay, gelini evinden kiliseye götürürdü.

Evlenmeden önce, bir Ağlama the Banns yapılırdı. Bu, çiftin evlenme niyetlerinin açıklanmasıydı. Bir şey olmasını engellerse, yasaklar sırasında gündeme gelirdi. Bu gelenek bugün hala İngiliz kiliselerinde görülür. Duyuru, arka arkaya üç Pazar günü kilisede yapılacaktı. Ağlama Yasakları'nı yönetmeden evlenen herkes, evlilikleri yasa dışı sayılacaktı. Farklı mahallelerde yaşıyorlarsa, yasakların her ikisinde de haykırılması gerekirdi.

Bununla birlikte, birinin hemen evlenmesi gerekiyorsa, piskopos tarafından bir Evlilik Tahvili verilebilir. Evlilik bonosu sözleşmesi sadece bir haftalık Banns Crying gerektiriyordu. Eğlenceli Bilgi: William Shakespeare ve karısı, kendi düğünleri için piskopostan bir Evlilik Bonosu aldılar.

Düğünler sabahları, öğleden önce yapılır ve ziyafetler daha sonra yapılırdı.

Çiçekler daha büyük bir rol oynadı. Nedimeler, misafirler için buketler yapmaktan ve biberiye ve güllerden oluşan düğün çelenkinden sorumlu olacaktı. Gelin, çelenkini tören sonrasına kadar taşıyacak ve daha sonra kafasına yerleştirecekti.

Düğünün maliyeti gelinin babasına düşüyordu, ancak küçük köylerde komşular bir nevi şans yemeği gibi ziyafet için yemek hazırlayabilirler. Başka bir gelenek de Elizabeth devrine rastladı, gelin birası. Bir gelin bir avluda toplanır ve düğününü finanse etmek için ödeyecekleri kadar çok kişiye bira satardı.

Davetiyeler hala gönderilmedi. İnsanlar düğünü biliyordu ve katılacaklardı. Mahkemede yapılacaksa, saraylılar gitmesi gerektiğini biliyordu. Bazen küçük notlar gönderilebilir, ancak resmi değil. Kilisede sıkı bir sosyal düzen, soylular önde, köylüler arkadadır.

Evlilik sözleşmesi, çeyiz ve müştereklerin ayrıntılarıyla (gelin dul kalması durumunda damat ailesinin ne sağlayacağı) hala çok önemliydi.

Nişan yüzükleri henüz popüler değildi ancak pırlanta alyanslar görülebiliyordu.

Regency Düğünleri

Naiplik döneminde, düğünler çoğunlukla özel meseleler haline geldi ve kilisede yapılsa bile bu kadar çok kişi katılmadı. Düğün yapmak için çok popüler bir yer, Hanover Meydanı'ndaki St. George's Kilisesi idi. Aslında, 1816'da o yıl kilisede 1063 düğün yapıldı. Hibiscus Sinesis web sitesine göre, yıl içinde bu kadar çok düğün yapıldığından, Las Vegas'taki bir düğün şapeli ile rakip oldu.

Regency döneminde beyaz gelinlikler yapışmaya başladı. Beyaz giymek zaten o zamanlar popülerdi, bu yüzden sadece bir gelinlik değildi.

Yasakların okunması Regency döneminde hala yapılıyordu, ancak bununla ilgili birkaç başka yol da vardı. Bir piskopos veya başpiskopos tarafından alınan ortak bir lisans vardı. Çiftin, gelin veya damadın dört hafta boyunca yaşadığı bir kilisede veya şapelde evlenmesi gerekiyordu. Üçüncü yol, Canterbury Başpiskoposu veya Londra'daki Doctors Commons tarafından verilen özel bir lisanstı. Özel lisans, çiftin her zaman, her yerde evlenmesine izin verdi.

Düğünler hala sabahları yapılırdı ve bunu bir kahvaltı ziyafeti takip edebilirdi.

Viktorya Dönemi Düğünleri

Kraliçe Victoria, düğününde beyaz giydiği için beyaz gelinliği popüler hale getirdiği için genellikle kredi verilir, ancak ondan önce beyaz giymeyen birçok kraliyet ve kraliyet olmayan gelin olmuştur.

Çiçekler düğünde daha büyük bir rol oynamaya başladı. Kilise veya şapel onlarla süslenecekti. Erkekler fraklarının veya sabahlıklarının yakasına bir çiçek takarlardı. Kırda bir gelin, çiçekli çiçeklerden oluşan bir halının üzerinde şapele yürürdü.

Kilise çanları insanları düğünün gerçekleşmekte olduğu konusunda uyarmak ve kötülükleri savuşturmak için çaldı.

1880'de düğünler öğleden sonra saat 3'e kadar yapılabiliyordu.

İskoç Evlilikleri

İskoçya'da evlilikler çok farklıydı. İngiltere'ye uygulanan tüm kurallar yoktu. İskoçya'da bir çift, bunu tanıklara duyurursa evli olarak kabul edilir ve ardından evliliği tamamlar.

İngiltere'de insanlar yasalardan ve kısıtlamalardan kaçınmak için İskoçya'daki Gretna Green'e kaçarlardı. Bu evlilikler, cesareti kırılsa da İngiltere'de yasal olarak kabul edildi. Belli belirsiz bir Vegas düğününe benziyor'


Uçan Payanda.

Sivri kemerler ve yivli kasık tonozlarıyla birlikte, uçan payanda, hem Paris'teki Saint-Germaindes-Prés Manastırı hem de Notre-Dame Katedrali ve Katedral gibi on ikinci yüzyılın ortalarındaki binalarda önemli bir yapısal bileşen olarak tanıtıldı. Chartres, Fransa'da. Kilisenin koridorları üzerinde "uçan" görünen kemerler, duvarı tonozun dışa doğru itme kuvvetine ve çatıdaki rüzgar basıncına karşı desteklemek ve bu kuvvetleri büyük duvar levhalarına (payandalar) yönlendirmek için hareket eder. Nervürlü kasık tonozları ve sivri kemerlerle koordine edilen uçan payandalar, tamamen yeni bir sistem oluşturdu. Romanesk üslubun karakteristiği olan sürekli bir ağır destek duvarları zarfı yerine, yapı şimdi bir Erector setinin kafesine benziyordu, uçan payandalar hem içeride hem de dışarıda görünüyordu. Gotik kilise mimarisi, bu yeni özelliklerin potansiyelinden yararlanarak imkansızı başardı: açıklıkları göz kamaştırıcı vitraylarla dolu geniş alanlarla dolu delikli ekranlardan biraz daha fazla olan duvarlarla birlikte eşi görülmemiş yükseklik.


Orta çağda yüzük yapmak için hangi teknikler kullanıldı? - Tarih


ORTA ÇAĞ KADIN SİTEM HARİTASI • KİTAP •BLOG • YAPI KOLEKSİYONU • EĞİTİMLER • KONUŞMALAR • DUYURU PANOSU

Ortaçağ Dikiş Teknikleri:
Dikişler, Dikişler ve Dikiş

DİKİŞ - YAPIM SÜRESİ - KUMAŞ BİRLEŞTİRİLMESİ - KIRMIZI - BOYUNLAR - KAYIŞLAR
DELİK YAPIMI - İLİK YAPIMI - KUMAŞ DÜĞMELER - Püsküller - LUCET İPLİK - GÜÇLENDİRİLMİŞ KENARLAR


Dikiş yöntemleri, dikişleri birleştirme ve delik ve ilik açma yöntemleri, birçok tarihi müşteri ve yeniden canlandıran için büyük ilgi gören bir konudur.

Çağdaş dikiş kılavuzları, gerçek teknikler hakkında biraz bilgi verir ve bilgi parçacıkları bize diğer kaynaklardan - dünyaya dağılmış birkaç mevcut giysi gibi ve yazılı tavsiyelerden gelir.

Kumaşa özen gösteren genç bir ev hanımına bir snippet olması gerektiği gibi 'terzinin elbisenin kenarını dikmek istediği kısmına su püskürttüğü gibi ağızdan püskürtülür.'

Bu bize, bir terzinin dikilirken bir kenarı suyla ıslatmasının oldukça yaygın bir uygulama olduğunu söyler. Sağdaki görüntü, bir kadını kesme ve desenlemeyi gösteren 15. yüzyıldan kalma bir aydınlatmadan bir ayrıntıdır.

İnşaat süresi
Giysi yapmak zaman alan bir işti, Bir giysi üzerinde aynı anda birden fazla kişi çalışabilir, bu da bir şeyi yapmanın ne kadar sürdüğünü belirlemeyi zorlaştırabilir. Ev hanımları da ara sıra bir giysi veya kıyafet üzerinde çalışabilirler.

14. yüzyılda İngiliz Kraliyet Ailesi'nin Büyük Gardırop hesaplarından bize giysi yapmanın zamanı ve maliyeti hakkında biraz bilgi geliyor ve bundan bazı şeyleri yapmak için geçen süreyi tahmin edebiliyoruz.

Bir çift hortum: yaklaşık yarım gün.
Pelerin: Astarlı olup olmamasına bağlı olarak 3 - 6 gün.
Bir süper tunik: Astarlı olup olmamasına bağlı olarak 3 - hafta.
Bir tunik: Karmaşıklığa, astara vb. bağlı olarak 1 - 6 gün.

Kişisel dikiş deneyimime dayanarak, bu sürelerin tümü, hortum hariç, dikişler ham bırakılmadığı sürece, ayakları aşırı derecede rahatsız edecek şekilde elde edilebilir.

Bazı özel amaçlı giysiler çok kısa sürede sipariş edilmiş gibi görünüyor ve tekrar tekrar giyilecek giysilerin bitirme kalitesine sahip olmayabilir.

Dikiş
Ortaçağ kıyafetlerinin kalitesi hakkında yaygın bir yanlış anlama var.

Birçoğu, dikiş makineleri icat edilmediğinden, dikişlerin ve giysilerin kalitesinin kaba veya zayıf olduğunu varsayıyor. Bu, kadın atalarımıza yapılan büyük bir hakaretten başka bir şey değildir.

Unutulmamalıdır ki, her şey Dikiş dikmek, genç bir kızın çok genç yaşta büyük ustalık kazanacağı bir beceriydi. Genç bir kadın, kendisi veya ailesi için kıyafet diktiğinde, makul bir şekilde önemli düzeyde beceri beklenebilirdi.

Evde dokunmuş kumaşları olan fakir bir kadın bile, ailesine hem sıcak hem de dayanıklı giysiler üretmek için yapabileceği en iyi dikişi sağlamaya özen gösterirdi. Kalitesiz işçilik, kumaş hala kullanılabilir durumdayken giysilerin dikiş yerlerinde dağılmasına yol açacaktı - bu, yoksul kadının izin veremeyeceği bir israftı.

Kumaş dikme yöntemleri oldukça basitti. Yukarıda verilen:

Yöntem 1. Düştü dikişi.
Yöntem 2. Koşu dikişi.
Yöntem 3. Daha fazla dayanıklılık için düşme ve hareketli dikiş kombinasyonu.

Kumaşı birleştirmek
Farklı kumaşların birleştirilmesi için farklı yöntemler kullanılmıştır. Arkeolojik dikişe kapsamlı bir bakış için lütfen Heather Jones'un ARKEOLOJİK DİKİŞ web sitesini ziyaret edin.

Zaten bu kadar büyük miktarda mükemmel araştırma yapmışken, tüm bilgileri burada tekrarlamayacağım.

Kumaşı bir araya getirmenin üç basit yöntemi burada gösterilmiştir.

Yöntem 1. Kumaş dış taraflar birlikte serilir. Bir koşu dikişi kumaşa katılır.
Yöntem 2. Bir arka dikiş, bir dikiş için daha fazla güç sağlar.
Yöntem 3. Daha fazla zaman alan bir dikiş yöntemi, daha sonra düz olarak açılan ve iki sıra hareketli dikişle üstten dikilen bir ilk birleştirmeyi kullanır. Bu üçüncü yöntem çok sağlam ve düz bir dikiş oluşturur.

Burada gösterilen ve aşağıda gösterilen resimler, Londra Müzesi Ortaçağ kıyafetleri hakkında bir dizi kitap ve onların mülkü olmaya devam ediyor.

kıvırma
Bir kenar kullanılabilirse, bir kenar ihtiyacını ortadan kaldırdı. Kesilmiş kenarlar, tabii ki, yıpranmayı önlemek için kıvırma gerektiriyordu.

Sağda gösterilen düşme dikişi en yaygın olanıdır. Kumaş alttan katlanır ve tekrar katlanır ve yerine dikilir, varyasyonlarla birlikte aşağıda gösterilmiştir: tek başına kullanılan hareketli dikiş ve hareketli dikiş ile birlikte.

14. yüzyılın sonlarında Parisli Goodman, karısına kumaşın şöyle olması gerektiğini tavsiye eder:

'terzinin elbisenin kenarını dikmek istediği kısmına su püskürttüğü gibi ağızdan püskürtülür.'

boyun bantları
Bu boyun bandı örneği, yüksek kaliteli bir yünlü giysinin yakasının iç kısmına ipek bir şeridin dikildiğini göstermektedir.

Bunun gibi bir bant, aşınma ve yıpranmanın meydana gelebileceği yerlerde ekstra yeniden uygulama sağlayacaktır. Açıklık takviyesi, dar bir ipek şeritten yapılmıştır. 1325-1350 yılları arasına tarihlenmektedir.

Bu giysinin veya benzerlerinin, en çok aşınmaya maruz kalan kenarları güçlendirmek için kolların uçlarında benzer bantların olması mümkündür.


Kuşgözü

Fermuar kullanılmadan elbiseler ya düğmelerle ya da bağcıklarla bağlanıyordu. Alt elbisenin bağcıklı olması, daha pürüzsüz ve düz bir siluet ve daha rahat bir temel giysi sağlaması daha olasıydı. Dış elbisenin düz yerine yuvarlak veya top şeklinde süs düğmeleriyle bağlanması daha olasıydı.

Sağda gösterilen, 14. yüzyıla tarihlenen bir dolguya bakan ipek üzerindeki kuşgözü deliklerinin bir detayı. Yüz bandının kenarlarında da orijinal giysiden yünlü kumaş izleri görülmektedir.

Kirtles üzerindeki kuşgözü ve bağcık delikleri genellikle 2 cm'den fazla değildi. Delikleri daha fazla ayırmak ve bağcıklar elbisenin çirkin bir şekilde açılmasını engellemez. İyi yapılmış bir kuşgözü, bugün kullandığımız metal olanlar kadar güçlüydü.

Bir mezura veya cetvel alın ve en fazla 2 cm aralıklarla delikleri işaretleyin. Kuşgözü, her iki tarafta eşit şekilde hizalanacak şekilde işaretlediğinizde, punteriz dikişini kaldırabilirsiniz. Çift iplik veya kalın bir keten ipliği kullanarak, yeniden uygulama sağlamak için işaretli deliğin çevresine bir daire geri dikiş yapın. Ayrıca, kuşgözünüzü istediğiniz yerde tutmanız ve yamuklaşmasını önlemeniz için size bir kılavuz da verecektir.

Bir bız kullanarak, iplikleri birbirinden ayırarak kumaşı dikkatlice delin.

Kumaşı yırtmamanız veya kesmemeniz çok önemlidir, aksi takdirde kuşgözü bir miktar gücünü kaybeder veya basınç veya tekrarlanan aşınma altında yırtılır. Deliği açık tutmak için kuzeye, güneye, doğuya ve batıya 4 ilmek yapın ve deliği yeniden açmak için bızı yavaşça kullanın.

Geriye kalan tek şey, deliği açık tutmak için zaman zaman bız kullanarak yakın dikişlerle dairenin çevresini dikmek. Sonucun ne kadar sağlam olduğuna şaşıracaksınız.


ilik yapımı
Deliğe yapı olarak benzer şekilde, ilik resimde gösterildiği gibi elde edilir. Yapımdaki temel fark, iliğin dikişten önce her zaman kesilmesi gerekmesidir.

Battaniye dikişi daha sonra açıklığın etrafından dolaşmak için kullanılır. İlikler genellikle, ancak her zaman değil, takviye için bir ipek veya keten kumaş şeridi ile güçlendirilmiş bir giysiye dikilirdi.

İlik veya bağcık delikleri gibi ilikler çok yakın ayarlanmıştı ve her zaman giysinin açıklığının kenarına dik açılarda uzanıyordu. Dikişle biraz açılacağı için iliğin çok büyük olmamasına özen gösterilmelidir.

Burada gösterilen resimler şuradan alınmıştır: Londra Müzesi Ortaçağ kıyafetleri hakkında bir dizi kitap ve onların mülkü olmaya devam ediyor. Resim, 1325-1350 tarihli bir kalıntıdan yünlü bir giysinin kenarındaki ilikleri göstermektedir.

Dikiş Eğitimleri
Deliklerin, düğmelerin ve iliklerin nasıl yapıldığını ve ayrıca önlük bağcıkları için veya torbalarda büzme ipleri için kullanışlı olan lucet kordonunun nasıl yapıldığını gösteren birkaç dersim var.

Onları Desen ve Kendin Yap sayfasında arayın BURADA

Telif hakkı ve kopyası Rosalie Gilbert
Bu sitedeki tüm metin ve fotoğraflar, belirtilmediği sürece Rosalie Gilbert'in mülkiyetindedir.
Sanat ve eser resimleri, sahibinin mülkiyetinde kalır.
Görseller ve yazılar izinsiz kopyalanamaz ve kullanılamaz.


Yeni bir meşguliyet: temizlik

Yine bu dönemde insanlar hijyen ihtiyacını hissetmeye başlar. Genel kanının aksine temizlik ve dolayısıyla parfüm Ortaçağ'da önemli bir uğraş haline gelir. En büyük ziyafetlerde, ev sahipleri konukların ellerini temizlemek için kokulu su dolu taslar sunarlar çünkü onlar parmaklarıyla yerlerdi. Zengin bayanlar zaten lavanta ve portakal çiçeği parfümlerini takdir ettiler. Çiçekleri iç eteklerinin altına saklarlar ve çamaşırlarında yastıklar –, parfümlü pudra tutan – küçük poşetler vardı.

Banyo

O zaman hamam da herkesin takdir ettiği bir ritüeldir. Aristokratlar tarafından evde uygulanır ve metal, taş veya ahşaptan yapılmış, bir levha ile kaplanmış ve baharatları demlediğimiz büyük fıçılarda verilir. İnsanlara gelince, mütevazi bir ücret karşılığında sıcak ve aromalı banyolar sunan hamamlara giderler. Gerçek buluşma yeri, erkekler ve kadınlar bir rahatlama anının tadını çıkarmak için birlikte hareket eder. Bu zevk anı, banyodan sonra bile uzatılabilirdi, çünkü ziyaretçilerin büyüleyici bir şirkette lüks yaşamaları için sayvanlı yataklar mevcuttu.

Bir ritüelin sonu

Ancak 1348'den itibaren, zamanın en büyük doktorları, bu uygulamanın ve özellikle gözenekleri açarak tüm bakterilere kapıyı açık bırakan sıcak banyoların yapılmamasını tavsiye etmeye başlar. Bu ahlaksız yerleri kınayan Kilise'nin tıbbi tavsiyelere eklediği baskı, Rönesans'ın başlangıcında bu kurumların kesin olarak kapatılmasına kadar varacaktır.

From left to right, the cultivation of various aromatic plants, the pomander worn by a noble and the illustration of public baths, a colorful meeting place.


Bronz ve Demir Çağları

The Sumerian civilisations in Mesopotamia were the first to use techniques like filigree and granulation. Excavations of the ancient city of Ur have revealed royal graves with pieces featuring these techniques from as far back as 2500BC. The Sumerian craftsmen used gold and silver in combination with precious stones like agate, lapis lazuli, and carnelian. The jewelry produced by the Sumerians consisted of sheet gold cut into earrings, complicated gold chains and necklaces and even stone-inlaid finger rings.

From Mesopotamia, the techniques spread west to present-day Turkey where excavations have revealed fine gold jewelry at Troy that has been dated to 2500-2300BC. The movement may have spread further west towards Greece and Crete as finds of lesser quality and of a slightly later date imply.

On the other side of the Mediterranean, jewellery began to play an important role by the 19th century BC in the Egyptian culture. The Egyptians developed many substitutes for precious stones. Faience and later glass beads have been found in great amounts. Precious stone simulants were invented and are here to stay.

From about 1700BC the Minoan civilisation shows to have mastered the fine techniques of filigree, granulation, and repoussé. The jewelry that has been unearthed on Crete shows strong influences from both Mesopotamia and Egypt but with its own strong design. The Minoan techniques and style jumped to mainland Greece with the city of Mycenae being the port of entry. The Mycenaean civilisation took over the Minoan decorative styles and gradually changed them into a style of their own.

Northern Europe came into it’s Bronze Age around 2000BC and a few well-made items from between 1800 and 1500BC have been excavated on the British Isles. It’s only after 1500BC that the extent of the pre-Celtic cultures’ metal jewelry becomes apparent. Tin, gold, and amber acted as natural riches that enabled the tribes living in these areas to trade with Mediterranean cultures. Rich grave gifts at several spots suggest a fairly well-developed society. Around 1100-1000BC a century of widespread disruption took place. The cultures that emerged from this century of regression, first the Urnfield culture and later The Hallstatt and La Tène cultures, had picked up on the progressive line of technical development and craftsmanship that we are reading throughout this article.

The Celts used red enamel in their jewelry from around 400BC. The technique of applying enamel dates back to the Minoan and Mycenaean times when simple encrusted enameled pieces were made. The Celtic craftsmen took enamel application to the next level though cloisonné and champlevé enameling was used to make very colourful body decorations.

The Celtic culture encompassed a wide variety of cultures living in the northern part of Europe that shared the same style and technique of their (metal) products. As a result, we see a somewhat uniform development in Celtic jewelry right up to the Roman conquest of the Celtic world in the first century BC.

From around 800BC, the Phoenician traders started to establish colonies all around the Mediterranean. They came from the eastern Mediterranean coast, the area that is now Lebanon and Israel, and influenced the jewelry making of the Greeks and Etruscans. The Phoenicians were the connecting element between the long traditions of Egypt and Mesopotamia and the ‘new’ civilisations in Greece and Italy.

Intaglios and cameos originated in ancient Greece where glyptography was perfected to an art form. The Greeks, like every other civilisation up until then, used stones that could be worked easily with the abrasives at hand and yet were hard enough to withstand the hardships of normal daily wear and tear. The most common abrasive in those times was quartz sand which was readily available and was used to polish cryptocrystalline quartz such as agate and carnelian and softer materials like lapis lazuli.

One ancient culture that has left us splendid proof of their gold working skills were the Etruscans. From the 8th century BC and on, this civilisation perfected gold working techniques that were clearly influenced by Greek culture(s). The fine detail of the Etruscan jewelry is of the highest quality and they used many colored stones. The Etruscan style was adopted by the Romans and formed the basis for Roman art and jewelry. One of the characteristics that the Romans adopted from the Etruscans was the love of precious stones in their jewelry.

The Roman Empire connected the western Asian cultures directly with the Celtic western European cultures. The excellent infrastructure provided by the Romans boosted trade enormously and triggered a vast exchange of products from east to west and vice versa. The Celts “Romanized’ quickly and took over Roman ideas of beauty. The characteristic Celtic jewelry made a place for roman techniques and styles.

After the fall of the western Roman Empire, the Great Migration of cultures put an end to the Celtic civilisations. The inlaying of colored precious stones and the revival of the old Celtic champlevé enameling makes jewelry from this period very colorful. The Eastern Roman Empire continued to exist far into the Middle Ages and developed a style of its own, influenced by the East.


Chainmail

Chainmail History
It is believed that chainmail was invented by the Celts. Chainmail history dates back to antiquity and was adopted by the Romans after they realised its potential after fighting the celts. A vatiety of materials were used to make chainmail including brass and iron but the most popular material was steel. In the 14th century, plate armor began to replace the chainmail worn by knights. However the chainmail was not completely disgarded by the Knights who continued to wear a shirt of chainmail beneath plate armor to protect the joints and the groin. Plate armor was extremely expensive and the average soldier during the Middle ages still used chainmail as their most effective form of protection. The history of chainmail shows its decline and use with the invention of the musket in 1520 and the subsequent use of gunpowder in variuos weapons.

Chainmail Armor
Chainmail armor provided protection against being cut by the opponents blade. It was effective against the sharp points and blades of the spear, axe and sword. It helped to prevent the skin being pierced stopping the fatal infections which often followed such injuries. Chainmail armor was ineffective against heavy blows from a blunt weapon. A padded, or quilted, garment known by various names such as Aketon, Arming coat, Doublet, Gambeson, Hacketon was worn in conjunction with chainmail as a form of additional defence. These garments consisted of a quilted coat which was either sewn or stuffed with linen or even grass. This served as padding for additional armour worn over the top. Shirts made of chainmail weighed up to 25 kilograms, depending on the size and the number of chainmail garments worn.

Chainmail Hauberk and other garments
The word chainmail refers to the material of the armor. Various clothes and garments were made from the chainmail material. Each piece of chainmail was fashioned specifically for whichever part of the body it was
intended to protect.

  • Chainmail Hauberk - A hauberk was a knee-length shirt made of chainmail
  • Haubergeon - A haubergion was a waist-length shirt
  • Chausses and Sabatons - Chausses and Sabatons were socks made of chain mail
  • Chainmail coif - A coif was a hood, protecting the head
  • Camail - A camail was the chain mail collar which hung from the helmet
  • Mitons - Mitons were the mittens worn to protect the hands

The Advantages of Chainmail
The advantages of using chainmail a protection during the Middle Ages were as follows:

  • It was flexible
  • Yapması kolay
  • Easy and fast to repair
  • Cheap and easy to fit many men, of all sizes
  • Allowed ease of movement

Making Chainmail
Making chainmail during the Middle Ages was undertaken by the blacksmith. Making chainmail armor involved the linking of iron or steel rings, the ends of which were either pressed together, welded or riveted. The rings were formed when they were stamped out of a sheet of iron and then used in alternate rows with riveted links.

Chainmail Patterns
The demand for chainmail during the period of the Middle Ages was substantial. Each piece of mail was fashioned specifically for whichever part of the body it was intended to protect. Chainmail patterns were used for creating this type of armor, resembling a modern knitting pattern. There was a basic chainmail pattern used for each part of the body it was intended to protect. Sizing was easily accomodated by the addition of extra rings. The most common form of chainmail patterns was the "four-in-one" pattern in which each link had four others linked through it.

Chainmail
Each section of this Middle Ages website addresses all topics and provides interesting facts and information about these great people and events in bygone Medieval times including Chainmail. The Sitemap provides full details of all of the information and facts provided about the fascinating subject of the Middle Ages!

Chainmail

  • Middle Ages era, period, life, age and times
  • Interesting Facts and information about Chainmail in the Middle Ages
  • Chainmail History
  • Chainmail Armor
  • Chainmail Hauberk and other garments
  • The Advantages of Chainmail
  • Making Chainmail
  • Chainmail Patterns

Goldsmithing & Goldsmithery (c.3000 BCE on) Techniques, History, Famous Goldsmiths


Statuette of Charlemagne
on the sceptre of Charles V
(Before 1380) Louvre, Paris.
Part of the French Crown Jewels.
Made from gold, glass beads,
pearls, rubies, gilded silver,
white enamel on gold.


Gold Chariot from the Oxus Treasure
(c.600-400 BCE) An exquisite item
of Achaemenid goldsmithing from
Ancient Persia.

Goldsmithing is the applied art of metalworking in gold. A goldsmith is essentially a metalworker whose specialty is working with precious metals like gold, silver, electrum, platinum, alloys like bronze and copper, as well as gemstones. (See also Crafts: History and Types.) Ever since the earliest civilization, goldsmiths have cast and hand-crafted gold artifacts, personal jewellery, platters, goblets, weaponry, equestrian items, as well as precious objects for ceremonial and religious purposes. Goldsmithing proved especially useful during medieval times, when goldsmiths were commissioned to adorn illuminated manuscripts with gold leaf, create gold reliquaries for holy relics and fashion numerous ecclesiastical objects out of precious metals. In addition, most countries have experienced their own "golden age" of precious metalwork, as exemplified by the wonderful Fabergé Easter Eggs made by the Russian master goldsmiths Gustav Fabergé (1814-1893) and Peter Carl Fabergé (1846-1920), during the 19th century. Other types of metalwork involves silversmiths or brightsmiths (who specialize in working with silver), coppersmiths (copper), blacksmiths (iron) and whitesmiths (so-called white metals like pewter and tin).

What are the unique properties of gold?

Gold is an extremely rare, valuable and lustrous metal. Compared to other metals it does not corrode or tarnish, it is easily melted, fused and shaped, and is highly ductile: a single ounce (28 grams) of gold can be beaten into a thin sheet measuring some 300 square feet. It is also easy to pressure-weld. Because of its value and malleability, gold was one of the first materials to attract attention. Egyptian art, in particular, as well as Aegean art were noted for their gold artifacts. Ever since Antiquity, gold items have been used as both decorative art and a source of wealth. In India, for example, gold is used universally both to decorate the body and express one's status. The skill of its goldsmiths is legendary, as exemplified by the Khudabadi Sindhi Swarankar goldsmithing community, whose outstanding artworks were showcased in London at The Great Exhibition of 1851.

What were the main techniques used by Goldsmiths?

A master goldsmith is trained in numerous types of metalworking, including the sawing, cutting, forging, melting, casting, beating, soldering, filing, engraving, embossing, enamelling and polishing of precious metals and gemstones. Traditionally, most goldsmiths either learned the craft in their father's workshop, or acquired the skills as an apprentice to a master craftsman. Many also fashioned jewellery, while a number practiced engraving as printmakers. Many of the best engravers of the 15th century, for instance, were either goldsmiths, or the sons of goldsmiths, such as Albrecht Durer and Martin Schongauer. During the late-19th century, due to the Arts and Crafts movement in England, Art Nouveau around the world and the Deutscher Werkbund in Germany, the art of jewellery-making underwent a significant revival. Today, many of the best art schools offer courses in goldsmithing, silversmithing and metalwork as a part of their fine art program.

In addition to the basic goldsmithery techniques of smelting and forging, goldsmiths learned a range of advanced techniques including niello, embossing, repoussé work, enamelling (including cloisonné, champlevé, basse taille, plique-à-jour), engraving and filagree decoration.

First used by the Egyptians, this decorative technique involves the application of Niello - a black-coloured powder, made by fusing together copper, silver, lead and sulphur - onto designs engraved on small-scale metal objects, usually made of silver. Once the engraved metal surface is coated with the Niello, heat is applied which causes the Niello to melt and run into the engraved channels. Kievan Rus craftsmen were noted for their nielli during the 10th to 13th century, some of which is preserved in the Ukrainian Museum of Historic Treasures, in Kiev. See also: Christian Art (Byzantine Era) (c.400-1200) and Russian Medieval Painting (c.950-1100). Another great exponent of Niello was the Florentine goldsmith Maso Finiguerra (1426-64). Other noteworthy nielli include Anglo-Saxon gold belt buckles and other items from the Sutton Hoo hoards and the Minden Crucifix (1070-1120, Minden cathedral, Germany).

This traditional metalworking technique is employed to create a raised or sunken design in a sheet of gold or other metal. A popular form of embossing is known as Repoussé - which involves the hammering of the reverse side of a metal sheet to create a design in low relief. Another method of embossing is known as Chasing. This works in the opposite way to repoussé: instead of hammering on the reverse side of the metal sheet to create a raised pattern on the front, chasing involves working on the front surface of the sheet to create a sunken design in the metal. Two exquisite examples of repoussé work are the Iron Age Petrie Crown (National Museum of Ireland), and the silver masterpiece known as the Gundestrup Cauldron (1st or 2nd century BCE, National Museum of Denmark, Copenhagen).

During the process of enamelling, a glass-like glaze is applied to a metal surface (or object) and then subjected to intense heat, which fuses the glaze, turning it into a beautifully coloured decorative coating. The glassy coating (known as vitreous enamel) can be made partly or wholly transparent, or completely opaque furthermore, its colour can be controlled by mixing the smelted glass with various metal oxides such as cobalt, iron, praseodymium and others. (See also: Stained Glass Art: Materials & Methods.) Enamelling has affinities with mosaics and painting, and attained its first peak in early Byzantine culture. It also flourished during medieval times, notably in Limoges (c.1200) during the era of Gothic art, and during the Italian Renaissance.

Cloisonné and plique-à-jour

The technique of cloisonné enamelling (from the French word for compartments) involves the soldering of flattened strips of metal (or gold/silver wires) onto a metal object, so as to create a number of raised compartments (cloisons) which are then filled with enamel and kiln-fired. A more advanced (and difficult) form of cloisonné is known as Plique-à-jour, in which the "compartments" are built with walls that are not firmly fixed to the metal base. The latter is then removed with a few taps, leaving a network of enamel-filled compartments, which allow much more light to shine through. Cloisonné was mastered during the early era of Byzantine art, and during the Romanesque/Gothic period. It also spread to China - Chinese cloisonné is now regarded as one of the most outstanding examples of the craft - see, for instance, the collection of 150 Chinese items at the G.W. Vincent Smith Art Museum, Springfield, Mass. Nineteenth century Japanese goldsmiths also produced large amounts of this type of enamelwork, which reached a peak during the turn of the century in Russia, thanks to the House of Khlebnikov and, of course, Fabergé. Other famous examples of cloisonné enamelling in Christian art include the Irish Ardagh Chalice (8th/9th century, National Museum of Ireland) the Holy Crown of Hungary (Crown of Saint Stephen, 11th century, Hungarian Parliament building, Budapest) the Khakhuli Triptych (8th-12th century, Art Museum of Georgia in Tbilisi), a gold altarpiece, reportedly the largest enamelled work of art in the world.

This goldsmith's technique is like cloisonné, except that a low-relief pattern is created (by engraving or chasing) on the floors of the "compartments", which are then filled with translucent or transparent enamel, allowing the design to shine through it. An outstanding example of basse-taille is the French Royal Gold Cup (aka The Saint Agnes Cup) (14th century, British Museum), created by goldsmiths during the era of International Gothic art. A solid gold cup richly decorated with enamel and pearls, it is generally regarded as the foremost example of late medieval French plate.

A specific type of enamelwork - the word is French for "raised field" - champlevé enamelling involves the creation of sunken troughs in the surface of a metal object, which are then filled with vitreous enamel and fired in a kiln or oven. The technique was not fully developed until the era of Romanesque art (1000-1150). Famous examples of champlevé include: the Stavelot Triptych (c.1158), a masterpiece of Mosan art - a style of Romanesque goldsmithery made around Liege, Belgium - now in the Morgan Library & Museum, New York and the Becket Casket (1180-1190) made of gilt-copper in Limoges, France (now in the Victoria and Albert Museum, London).

Filagree/Filigree (Granulation)

This delicate technique basically involves the creation of gold and silver metalwork, using patterns of tiny gold beads or globules of gold (granulation), soldered to the surface of an object in patterns suggestive of lace. It was widely used by Italian and French goldsmiths from the mid-17th century to the late 19th century. Filagree reached an early apogee in Etruscan and Greek art (c.550-250 BCE), and - judging by the collection of Scythian jewellery in the Hermitage Museum, St Petersburg - in Steppes art around the Black Sea. In Ireland, examples of filagree goldsmithery include the Tara brooch (c.700 CE, National Museum of Ireland), a masterpiece of Celtic Jewellery art, and the Derrynaflan Chalice (NMI) - both decorated in the La Tene style of art. (See also: Celtic Metalwork art.) Other important examples of filagree gold work are in the collections of the British Museum and the V & A, in London, and the Louvre in Paris.

The term Chryselephantine art - derived from the Greek words chrysos (gold) and elephantinos (ivory) - refers to sculptures made from a combination of ivory carving and gold. Typically, a chryselephantine sculpture was built around a wooden frame, using thinly carved ivory for the flesh, and gold leaf for the armour, clothes, hair, and other details. Precious and semi-precious gemstones were used for details like eyes, jewellery, and weapons. The design of chryselephantine works was often modular to enable the gold to be removed and melted for coins in times of financial necessity. The figure of Nike clasped in the right hand of Phidias' famous statue of Athena Parthenos (c.430 BCE, Parthenon) was made out of pure gold for this very reason. The two nost famous examples of chryselephantine Greek sculpture - both made from plated ivory and gold panels during the era of Classical Greek sculpture - were sculpted by Phidias (488-431 BCE). The first was the 42-foot high statue of Athena Parthenos (c.430 BCE) in the Parthenon at Athens the other was the 36-foot high statue of Zeus (430-422 BCE) in the temple at Olympia, which was regarded as one of the Seven Wonders of the Ancient World.

What is the history of goldsmithing?

As stated above, goldwork was practiced by the earliest Middle Eastern and Mediterranean cultures that gave rise to Mesopotamian art and Mesopotamian sculpture, as well as Egyptian and later Minoan art. Even less sophisticated styles of Hittite art and Assyrian art had a tradition of gold-working. Gold mines in Egypt, Nubia and Saudi Arabia were major suppliers of the precious metal. Once established in ancient Greece and around the Black Sea, goldsmithery was spread westwards into central and western Europe by migrating tribes of Celts, whose blacksmiths were renowned for their mobile forges and metalworking skills. (See also: Hallstatt Celtic culture [c.800-450 BCE] and Celtic art [from 1,000 BCE]). At the same time, Etruscan art in Italy was becoming famous for the gold artifacts of its tombs. The Romans were also active in goldsmithing, not least because of their innovations in metallurgy: new techniques for large scale gold extraction were developed by introducing hydraulic mining methods, notably in Spain and the Balkans.

The rise of Christianity significantly boosted demand for gold items - for devotional and ecclesiastical needs - and during the Dark Ages, monasteries in Ireland, Iona and Northern England were repeatedly raided by marauding Vikings in search of gold and precious objects, used in the making of illuminated manuscripts by artist-monks. In Constantinople, centre of the Eastern Roman empire and its own style of early Christian art, goldsmiths and mosaicists became renowned for their shimmering masterpieces of gold and multi-coloured mosaic art. See, for instance, the decorative gold and copper work on the celebrated Garima Gospels (390-660) from Ethiopia - the world's most ancient illuminated gospel text. As western European culture regained its strength during the eras of Carolingian art (c.750-900) and its successor Ottonian art (c.900-1050), more goldsmiths were hired to keep up with demand. Another influential school was the Mosan school which grew up in the area around Liege and the Benedictine monastery of Stavelot. Leading members of this school included Godefroid de Claire (1100-1173) and Nicholas of Verdun (c.1156�).

The use of gold for religious and secular objects duly became a worldwide phenomenon, and goldsmiths were constantly in demand both in times of affluence (when they were commissioned to produce an ever-widening array of precious items), and during times of extreme hardship (when gold items were melted down into coin).

The Renaissance: Growing affluence and trade

The cultural revolution known as Renaissance art was underpinned by an equally important revolution in commerce and finance, stimulated by greatly increased trade in silk, spices and ceramics, that would shortly transform many palaces, churches and homes of Christian Europe. The impact was also felt on the arts and culture of the quattrocento. For example, when ordering new oil paintings, patrons began to specify the exact amounts of gold, silver, lapis lazuli and other expensive raw materials from the east to be used in the work, in order to increase its opulence and grandeur. And goldsmithery was a central and influential craft in the whole process. (See also: Colour Pigments.)

The prospect of acquiring more gold to fuel their appetite for ostentatious grandeur had a direct impact on European exploration. Portuguese colonialists headed south to Morocco, in the early 15th century, in an attempt to control the gold supply emanating from the rich gold mines of Mali. A century before, in 1324, the Mali ruler Mansa Musa (1312�) undertook his famous hajj pilgrimage to Mecca, during which he gave away so much gold that its market price in North Africa collapsed for a period of several years. The European colonialization of South America was also prompted by reports of the widespread use of gold ornaments, particularly in Central America, Peru, Ecuador and Colombia.

After the Renaissance, goldsmithery in France was twice stimulated as part of the upsurge in French decorative arts, which resulted from the building of the palaces of Fontainebleau and Versailles. The first revival - associated with the Fontainebleau School - began in the 16th century (c.1528-1610) under the patronage of Francis I (1494-1547). The second revival began in the 17th century under the patronage of King Louis XIII (reigned 1610-43). For details, see: Palace of Versailles (built c.1624-98).

Since then, gold, and the production of gold items, has become closely linked to international trade as well as the liquidity and movement of personal assets, notably in India and the Far East.

Goldsmithing has been a springboard for many different types of art: the history of painting and sculpture, for instance, is full of examples of famous artists who first trained as goldsmiths or silversmiths. They include such Renaissance luminaries as Lorenzo Ghiberti (1380-1455), the Renaissance sculptor Luca Della Robbia (1399-1482), noted for his terracotta sculpture Vecchietta (1410-80), the Sienese painter and architect Antonio del Pollaiolo (1429-98), the quattrocento sculptor Andrea del Verrocchio (1435-88), the Medici sculptor who taught Leonardo the devout Florentine Sandro Botticelli (1445-1510) the fresco painter Domenico Ghirlandaio (1449-94) the engraver Cristofano Robetta (1462�) the Paduan sculptor Andrea Riccio (1470-1532) the High Renaissance artist Andrea del Sarto (1486�), the Mannerist painter Agnolo Bronzino (1503-1572), the Florentine sculptor Benvenuto Cellini (1500-71) the German engraver and printer Johannes Gutenberg (1395-1468), the artist Albrecht Durer the Elder (1427-1502), father of the Northern Renaissance painter Albrecht Durer the French Renaissance engraver Jean Duvet (1485-1562), the Swiss Renaissance painter and printmaker Urs Graf (1485-1528), and the leading English miniaturist Nicholas Hilliard (1547-1619), to name but a few.

Special mention should be made of the great Russian master goldsmiths from the 19th century, such as Andrey Grigoriev, Ivan Gubkin, Sakerdon Skripitsyn, and Ivan Zuyev. In addition, note the "artist-jewellers" Gustav Fabergé (1814�) and Peter Carl Fabergé (1846�), creators of the exquisite "Fabergé Easter Eggs" for the Romanov Tsars. Among the many Fabergé craftsmen involved in the various goldsmithery processes - in addition to the jewellers Michael Perchin (1860-1903) and Henrik Wigstrom (1862-1923) - were Erik August Kollin (1836-1901), Feodor Ruckert (1840-1917), August Frederik Hollming (1854-1915), Johannes Zehngraf (1857-1908), Johan Victor Aarne (1863-1934), Feodor Alexeievich Afanasiev (1870-1937), Karl Gustaf Hjalmar Armfeldt (1873-1959), Oskar Woldemar Pihl (1860-97), Vassily Zuiev (1878-1941). See also: Russian Art (30,000 BCE - 1920).

Famous Gold Objects, Statues, Artifacts and Hoards

In addition to those items cited above, here is a short list of famous objects made from gold and other precious metals.

Çalılıktaki Ram (c.2500 BCE) British Museum, London
Sculpture in gold-leaf, copper, lapis lazuli, red limestone, from Ur. Regarded as a masterpiece of Sumerian art of the Third Millennium BCE.

Maikop Gold Bull (c.2500 BCE) Hermitage, St Petersburg
Gold Sculpture (Maikop Culpture) from North Caucasus

Vapheio Cups (c.1475 BCE) National Archeological Museum, Athens
Early Mycenean drinking cups by Minoan goldsmiths, using repoussé technique

Mask of Tutankhamun (c.1327 BCE) Egyptian Museum, Cairo
Mummy mask in gold, glass, lapis lazuli, obsidian, carnelian, quartz, faience

Prince of Marlik (c.1200 BCE) National Museum of Iran, Tehran
Gold bust made by Persian goldsmiths using repoussé technique

Oxus Gold Chariot (c.400 BCE) British Museum, London
Part of the Oxus Treasure created by Tadjikstan goldsmiths

Kul Oba Sythian Vessel (c.375 BCE) Hermitage, St Petersburg
Electrum vessel from Kerch tomb, made by Scythian goldsmiths

Broighter Hoard (Gold Torc, Boat) (c.100 BCE) National Museum of Ireland
Finest example of Celtic La Tene goldwork

Bactrian Gold Hoard (1st Century BCE)
20,600 gold ornaments from six burial mounds in Afghanistan

Bimaran Reliquary (c.50 CE) British Museum
Afghanistan gold container, decorated with rare images of Buddha

The Staffordshire Hoard (c.750) Birmingham Museum and Art Gallery
3,500-item collection of Anglo-Saxon gold and silver metalwork

Reliquary of St Faith (975) Church of Sainte Foy Monastery, Conques
Made from gold, silver, copper, pearls, cloisonné enamel

Golden Virgin (990) Essen Cathedral, Germany
Earliest surving statue of the Madonna, made from gold leaf, cloisonné enamel

Basel Cathedral Altar Front (c.1027) Musee National du Moyen Age
Made by Ottonian goldsmiths from gold, precious stones, pearls

Shrine of the Three Kings (1180-1225) Treasury of Cologne Cathedral
Created by Mosan goldsmith Nicholas of Verdun.

The Cellini Salt Cellar (1543) Kunsthistorisches Museum, Vienna
Enameled gold sculpture by Renaissance goldsmith/sculptor Benvenuto Cellini

The Golden Buddha (c.1760) Temple of Wat Traimit, Bangkok
World's largest solid gold statue worth approx $250 million

Collections of Gold Objects

Many of the world's best art museums have collections of antiquities made by goldsmiths from all over the world: see, for instance, the gold ornament rooms of the Louvre in Paris, the Hermitage Museum in St Petersburg, as well as the British Museum and the Victoria and Albert Museum in London. Note also that the British Royal family has over 250 Fabergé items in the Royal Art Collection. In America, the most extensive collections of gold artifacts are held by the Metropolitan Museum of Art, New York, the Museum of Fine Arts in Boston, the Art Institute of Chicago, the Detroit Institute of Arts, and the G.W. Vincent Smith Art Museum, Springfield, Massachusetts. Other collections of "objets d'art" are on display in specialist museums including the History Museum in Samokov, Bulgaria the Art Museum of Georgia in Tbilisi the Ukrainian Museum of Historic Treasures in Kiev National Archeological Museum, Athens the Egyptian Museum, Cairo and the Musee National du Moyen Age, Paris, to name but a few.

• For more about decorative arts and crafts, see: Visual Arts Encyclopedia.


Videoyu izle: Kocamın Başka Kadınla Videosunu İzledim. (Ocak 2022).